,

Arte. Hybrid Art Fair 2022 Sexta Edición. Clausura

 

Hola de nuevo, apasionados por el Arte… El viernes por la tarde visitamos, una de las ferias de Arte, más querida para mí, y este confirmado año, me ratifico…

“La 6ª Hybrid Art Fair, la más paritaria de las feriasde la Semana del Arte y el evento más singular,cierra con amplia presencia de público profesional, numerosas ventas, y gran acogida de sus propuestas experimentales y espacios expositivos”.

Os Catro Gatos. Hybrid Art. Foto by TbArt archivos fondos propios

“Se consolida así como la cita con la creación actual más alternativa. Además, y según el informe del MAV (Mujeres en las artes visuales),  es la feria que muestra más igualdad de género”.

Artist Run Space Etaj. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Propuestas muy interesantes y arriesgadas, que generan de inmediato interés y una bocanada de aire fresco en el complejo mundo del arte y las ferias, algo a valorar en su medida, pues son estos sentidos muchas veces asentados un ingrediente elemental e imprescindible en este apasionante mundo del Arte.

Artsolutely. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

“Una feria dirigida por Ana Sanfrutos y Aida F. Chaves, gestoras culturales de Boreal Projects, quienes han declarado “estamos muy satisfechas con el desarrollo de esta 6ª edición, en la que destacamos la presencia de público profesional además de personas aficionadas a la creación más arriesgada”.

Theoff. Space. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Arte cercano, con muchas posibilidades de interactuar con la obra expuesta, pero también y esto es lo más interesante, personalmente con el artista. Un valor añadido importante, que tal vez, solo ofrece anualmente, esta cada vez más imprescindible Feria de Arte.

Os Catro Gatos. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

”Desde los expositores nos transmiten sus buenas sensaciones que se han traducido, además, en numerosas ventas. Asimismo estamos felices de que nuestro compromiso con la igualdad se materialice en la paridad que siempre caracteriza a Hybrid y que este año de nuevo nos diferencia de otras propuestas de la madrileña Semana del Arte”.

 

Galería Artizar. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Las fotos son solo una pequeña muestra de algunas de las propuestas artísticas que nos ofreció este año, la feria. Mucho de lo expuesto, fue, más que interesante, y reseñable, lo que hizo de la visita a Hybrid Art, un acontecimiento muy positivo, y de valor.

Instalación. Hybrid Art. Foto by TbArt archivos fondos propios 

Una edición de Hybrid bien presentada, con propuestas de interés, variedad, de visiones, y una línea bien argumentada y equilibrada, una sexta edición concluida, pero que continúa ya su camino con paso firme y decidido a la próxima estación 2023.

Arte. Hybrid Art Fair 2022 Sexta Edición. Clausura

Arte. Hybrid Art Fair. Exposiciones. Madrid

/0 Comentarios/por
,

Arte. Saura. «El Surrealismo era para mi una actitud»

image

Dora Maar. (1984). Antonio Saura.

Antonio Saura. Pintor y escritor. Huesca, 22 septiembre de 1930. Cuenca, 22 julio de 1998.

Su padre era abogado del estado y su madre pianista. Es un pintor autodidacta, que expone por primera vez en París en 1957.

En 1984, catorce años antes de su fallecimiento, Antonio Saura presentaba en Madrid, quince retratos imaginarios, todavía, residía en París, ciudad a la que se había trasladado definitivamente en 1967. Al pintor siempre le había fascinado la bella ciudad del Sena, no en vano la primera vez que viajó a ella, fue en el ya lejano 1954, allí residió dos años… luego volvió en 1959, después, se instaló definitivamente.

GRUPO EL PASO. 1957/59. Lo forma Antonio Saura que también le pone el nombre. El Grupo lo integran… Antonio Saura, Manolo Millares, Pablo Serrano, Rafael Canogar, Chirino, Viola, y otros artistas. Ponen así, a la pintura española en el escenario artístico del mundo, en unos años difíciles; años de pobreza, e ideológicas limitaciones institucionales.

TENTADO POR LA LITERATURA SE DECIDE POR LA PINTURA

Influenciado desde que recuerda por la literatura, tentado por ella, (Cortázar, Carpentier), lo primero que hace de niño con ilusión, es coleccionar las estampas de los  cuadros que más le gustan, (los recorta de las revistas), una manía que conservó siempre, pues desde bien pequeño, a ratos y con las tijeras, fue, un gran recopilador-acumulador, como también lo fuera Dalí.

Antonio Saura tuvo su época surrealista pero duró poco; una anécdota muy graciosa (Surrealismo en estado puro), es, que el artista repartió por la Gran Via madrileña (año 50/51), una tarjeta con su nombre, en la que llevaba impreso un texto muy acorde…

«Antonio Saura. Surrealista»

Antonio Saura conoció en París a André Bretón, que en ese momento, era considerado en el mundillo artístico como el «Papa del Surrealismo», y asistió más de un año a sus reuniones diarias, pero pronto se cansa. En aquel momento había otras corrientes de vanguardia, que ya estaban pidiendo a gritos paso urgentemente, (Expresionismo Abstracto, e Informalismo), Antonio Saura abandonó al fin el Surrealismo.

APARECEN SUS PRIMERAS FIGURAS EN BLANCO Y NEGRO

image

Geraldine dans son fauteil. 1967.

1956 Antonio Saura realizó su primera exposición, en Madrid, en la Biblioteca Nacional, para ella selecciona su trabajo parisino, más dos pinturas madrileñas. Se trata en ese momento de una decantada ruptura con el Surrealismo, y de afirmación propia. El Artista ahora presenta estructuras figurativas, a caballo entre el Surrealismo, y la Abstracción.

En la exposición también se incluyeron, dos cuadros que había realizado en Madrid (pinturas en blanco y negro); las primeras de sus figuras deformadas. Automatismo, rapidez, energía,pasión, inspirada en sucesos políticos, (una manifestación en la que muere un estudiante en Madrid , y en la que el pintor, siempre dispuesto a la lucha política, se encontraba presente).

Antonio Saura. El Surrealismo era para mi una actitud

Antonio Saura. Arte. Pintor. Pintura. Pintores. Surrealismo. Grupo el Paso. Abstracción. Madrid. París. Pintura española

/0 Comentarios/por
, , ,

Arte. Cardoso. Acuarela.»Fragante fruta, beso pálido»

image

Acuarela. Cardoso

En este caso se trata de un delicioso bodegón. Cardoso. El pintor que juega con el agua, (artista), lo muestra aquí, de una manera elegantemente sofisticada.

¡MAS, PROHIBIDO MORDER!

Belleza; ¡Hayada! Descarada

Encendidas mejillas.

Fragante fruta.

Beso pálido

Si no, si no…,

¡Si!… dulce panal, nuez española;

¡Si!… piel amarga, fragante; tierno fruto…

Nectar ambarino que ama el borracho

Droga legal; fresco, amanecer

¡Una vez más!

Mas, prohibido morder

Tomás Bartolomé

Arte. Cardoso. Acuarela.»Encendidas mejillas; fragante fruta, beso pálido»

Arte. Cardoso. Acuarela. Pintores

/0 Comentarios/por
,

Arte. José de Ribera, El Spagnoletto. Un pintor español en Nápoles

image

El pie varo (El lisiado o el Zambo). 1642

José de Ribera, El Spagnoletto, así llamado por ser un español en Nápoles, además de por su menguada talla. José de Ribera, nació en Jativa, Valencia, en 1591, donde su padre era zapatero, pero vivió casi siempre en Nápoles, donde finalmente falleció, en 1652, y donde se encuentra enterrado.

Era apenas un adolescente cuando puso rumbo a Italia, tan clara tenía ya entonces su vocación; primeramente visitó las ciudades de, Cremona, Milán, Parma, y Roma, donde se detuvo a estudiar a los clásicos en profundidad.

En Nápoles. entonces un virreinato español, Ribera pensó que tendría más posibilidades como pintor, allí tuvo un gran éxito, sus grabados circularon mucho por Europa, Rembrant poseía alguno de ellos. Se dice, que cuando Ribera fue preguntado por un amigo, si no le gustaría regresar a España, contestó…

«En cuanto en lo de volver a España no se, me han dicho que allí se pierde el respeto a los artistas cuando están presentes, pues dolorosamente, España es madre amantísima para los forasteros y madrastra cruel para sus hijos».

Pronto recibió Ribera muchos encargos sobre todo de la iglesia, de coleccionistas particulares, y de los funcionarios españoles del imperio, destacados en Nápoles. Pintor versátil trató en sus pinturas, además de temas religiosos, temas mitológicos, aunque de estos últimos tuvo menos encargos.

También pintaría algunos Paisajes aunque escasos.

DOS RAREZAS…

image

image

Paisaje con fortín y, Paisaje con pastor. Ambos de 1639

Dos de estas rarezas, son Paisaje con fortín y Paisaje con pastor, dos cuadros de gran tamaño, que se encuentran expuestos, en el Palacio de Monterrey de Salamanca, y que así mismo, son propiedad de los Duques de Alba. En esta bella ciudad llena de arte, a orillas del Rio Tormes, se encuentra otra pintura de José Ribera, en este caso, ubicada, en la Iglesia de la Purísima, a escasos metros de la Plaza Mayor, y enfrente del antes mencionado palacio; en ella, en su magnífico retablo, podemos admirar la Virgen de la Inmaculada Concepción. Paisajes extraordinarios, y pintura religiosa, arte para vivir, y arte para subsistir.

image

La Inmaculada Concepción. 1635

LA INMACULADA CONCEPCIÓN DE RIBERA

Un cuadro es de gran tamaño, con un color poco común en la pintura de Ribera.

Son unos colores más claros y vivos, los que surgen en la pintura del Españoleto aproximadamente en 1630, época en que curiosamente Ribera tal vez, conoce, (coincide con una de las visitas del pintor sevillano a Nápoles) a Velázquez, en Nápoles. Velázquez tenía entonces 8 años menos que Ribera, y estaba visitando Italia, en unos de sus viajes de formación, y contactos, a cargo de la corona. La estilizada Virgen de cabeza pequeña, lleva sobre sus hombros, una capa de color azul brillante. Normalmente los colores que identificaron primeramente al pintor valenciano, son menos luminosos, que los que utilizó en esta inmaculada, digamos, que son más del tipo Caravaggio; es el tenebrismo, que utiliza el claroscuro, una técnica que José de Ribera usa en muchas de sus pinturas de santos y martirios.

image

San Pablo Ermitaño. 1640

Ribera, junto con otros pintores importantes, forma parte de la Escuela Napolitana, y no solo forma parte de ella, sino que lidera la misma.

Su obra en tiempos posteriores, fue tachada en general, de truculenta y morbosa; tanto fue así, que incluso Lord Byron llegó a comentar al respecto…

«Parece que para pintar, Rivera empapara sus brochas en la roja sangre de los santos»

Esto sucedió, porque hubo una época, en que eran pocos los que conocíeron su extensa obra en profundidad, pues la mayoría, solo conocían, sus cuadros de martirios. Ribera, era mucho más.

image

El Martirio de San Bartolomé. 1644

José de Ribera. El Spagnoletto. Un pintor Español en Nápoles.

Arte. José de Ribera. Pintores. El Spagnoletto. El Españoleto. Ribera. Nápoles. Pintura

/0 Comentarios/por
,

Arte. 2014. Robados, «Un Gauguin y un Bonnard, 40 Años colgados de una cocina»

image

Autorretrato. (1888). Gauguin.

image

Autorretrato en el espejo del cuarto de baño. (1930/45). Bonnard.

Estos dos autorretratos corresponden a sus autores (Gauguin, y Bonnard), de las obras robadas y ahora recuperadas.

¡El mundo del arte está de enhorabuena! 2 obras de Arte, robadas en los años 70, han sido felizmente recuperadas por los carabineros italianos, el miércoles 2 de abril de 2014; justo el mismo dia que curiosamente se estrenaba este Blog de Arte… ¿Querrá esto decir algo?…

Las pinturas robadas se encontraban en casa de un sencillo trabajador siciliano jubilado de la Fiat, que no sabía que lo que compró hace más de 40 años por 24 € en una subasta de objetos perdidos, era un verdadero tesoro artístico. La suerte siempre caprichosa, y el amor al arte del obrero siciliano provocaron a la historia un giro afortunado…

Los cuadros anteriormente robados habían sido hallados por los revisores de un tren que realizaba el trayecto Paris-Turín y diligentemente entregados a objetos perdidos. Ni entonces, ni después; nadie pareció percatarse de su gran valor. Meses después saldrian a subasta al no haber sido reclamados por nadie y, adquiridas entonces por un trabajador italiano aficionado al arte ¡Desde aquel momento, decorarían su cocina!

Las pinturas adquiridas por el entrañable jubilado son, un Gauguin, valorado entre 15 y 35 Millones de € y un Bonnard valorado en 600.000 Mil €.

DESCRIPCION DE LAS OBRAS

image

– «Frutas en la mesa» o «Naturaleza para el perrito». (1889). GAUGUIN, (Lleva un perrito al lado de la firma).

image

– «La mujer con los dos sillones» Pierre Bonnard.

BATALLA JUDICIAL

Los cuadros de pequeñas dimensiones habían sido robados en Londres a una familia adinerada, (Mark-Kennedy), sus legítimos herederos, ahora podrán reclamar su propiedad robada. Se presume una larga batalla judicial ya que las pinturas fueron adquiridas legalmente por el operario fabríl.

Un  jubilado italiano con buen ojo y amante del Arte los tuvo…

«40 años colgados en su cocina».

_»ESTOS CUADROS SE PARECEN A LOS DE LOS PINTORES QUE ESTUDIO».

Este obrero jubilado de la multinacional automovilística italiana Fiat tiene un hijo estudiante de arquitectura y es él, su hijo, el que se da cuenta de que las pinturas que hay en su casa colgadas de la pared de la cocina y que se exponen, entre humo, grasa, frituras, vapores y alimentos diversos entre los que nunca falta la salsa de pomodoro, le recuerdan a las pinturas de los pintores que él estudia en sus clases de Historia del Arte. Despues de informarse, contacta con expertos en autentificacion artística que le confirman sus sospechas; si, efectivamente, se trata de un gran descubrimiento, son las pinturas de dos grandes maestros del arte, Gauguin y Bonnard.

Pierre Bonnard. Fontenay-Aux Roses, 1867.   Le Cannet 1947, a los 80 años.

Paul Gauguin. Paris 1848. Atuona, Islas Marquesas, Polinesia frances, 1903. A los 54 años.

¡Todavía, hay muchas obras de arte ocultas por descubrir!

MERCADO DEL ARTE

El comercio ilegal de obras de arte robadas, goza de muy buena salud; ocupa el cuarto puesto mundial, despues de el comercio, de Armas, Drogas, y Productos Financieros.

Arte. 2014. Robados, «Un Gauguin y un Bonnard, 40 Años colgados de una cocina»

PINTURA. ROBO OBRAS DE ARTE. MERCADO DEL ARTE. GAUGUIN. BONNARD.

/2 Comentarios/por
, ,

Arte. Paisaje. Tomás Bartolomé. “Al olmo viejo, hendido por el rayo”

Paisaje. (2020). Tomás Bartolomé

La naturaleza, fuente inspiradora y motor de artistas, sobrecoge, con sublime belleza, ámbitos, predios, con dueño. La que es enteramente libre, no tiene límites. Paisaje. Mentes soñadoras, gesto que a menudo, impregna, y sana. Su intensidad inquieta, en un apercibimiento pleno, y ahí, se nutre, inevitable. Absorbe su totalidad.

Belleza pura, anárquica alquimia sublimada. Libertad, que por inagotable gracia, no somete nunca su totalidad. Pedagogía disponible, que los ciegos voluntarios, ávidamente ignoran.

POESÍA

Antonio Machado. 26 de julio de 1875, Sevilla. 22 de febrero de 1939, Colliure, Francia

A UN OLMO SECO

Al olmo viejo, hendido por el rayo

y en su mitad podrido,

con las lluvias de abril y el sol de mayo

algunas hojas verdes le han salido.

El olmo centenario en la colina

que lame el Duero! Un musgo amarillento

le mancha la corteza blanquecina

al tronco carcomido y polvoriento.

No será, cual los álamos cantores

que guardan el camino y la ribera,

habitado de pardos ruiseñores.

Ejército de hormigas en hilera

va trepando por él, y en sus entrañas

urden sus telas grises las arañas.

Antes que te derribe, olmo del Duero,

con su hacha el leñador, y el carpintero

te convierta en melena de campana,

lanza de carro o yugo de carreta;

antes que rojo en el hogar, mañana,

ardas en alguna mísera caseta,

al borde de un camino;

antes que te descuaje un torbellino

y tronche el soplo de las sierras blancas;

antes que el río hasta la mar te empuje

por valles y barrancas, 

olmo, quiero anotar en mi cartera

la gracia de tu rama verdecida.

Mi corazón espera

también, hacia la luz y hacia la vida,

otro milagro de la primavera.

Antonio Machado

Arte. Paisaje. Tomás Bartolomé. “Al olmo viejo, hendido por el rayo”

Paisaje. Tomás Bartolomé. Arte. Artista. Art. Óleo.  Antonio Machado. Machado

/0 Comentarios/por
,

Arte. Exposición, Frida Kahlo La Experiencia

FRIDA KAHLO LA EXPERIENCIA

Frida Kahlo Corporation presenta: “FRIDA KAHLO. La Experiencia

“Ojos que no ven corazón que no siente”

Madrid  17 de diciembre de 2021, 29 de mayo de 2022

Palacio de Neptuno. Calle de Cervantes, 42 – Madrid

Una producción Next Exhibition, en colaboración con la Frida Kahlo Corporation, comisariada por Alejandra Lopez.

“La exposición imprescindible del año, revela una mirada íntima y privada sobre la artista más conocida y querida de México. Un evento expositivo que cambiará tu percepción sobre este icono universal”.

«No como quien siempre gana, sino como quien nunca se rinde jamás»

Retrato de Frida Kahlo

Algunos datos sobre Frida…

En 1939 realiza su primera exposición en Nueva York, y expone en Parisen el Museo del Louvre, siendo la primera pintora mexicana en  lograr este importante hito

FRIDA CAHLO, que ha recibido clases de pintura, y que demuestra pronto talento artístico, después de sufrir multitud de operaciones -una treintena- pasa mucho tiempo postrada en la cama, y pide curiosa a su padre las pinturas, que en algunas ocasiones ve por casa; su madre le hace adaptar un caballete, y ella, se pone a pintar.

Su padre fue era un fotógrafo alemán llamado Guillermo Kahlo, y su madre, Matilde Calderón, mexicana de ascendencia española, una madre a menudo enferma, que no pudo cuidar mucho de Frida,  (finalmente fue amamantada, por una nodriza india). Con sólo 6 años una poliomielitis, la deja coja.

A su padre, casado en segundas nupcias, lo adoraba, a su madre, la amaba pero, también la odiaba. A los 17 años, él, fue quien la enseñó a revelar y pintar fotografías.

“FRIDA KAHLO. LA EXPERIENCIA es un viaje a través de la vida de una de las artistas más queridas del mundo. La exposición presenta la vida de Frida Kahlo, caracterizada por una difícil condición física y, al mismo tiempo, por una gran capacidad de reacción y resistencia ante la adversidad. Frida fue capaz de transformar su inmovilidad en oportunidad y su sufrimiento en una energía que la hizo inmortal, un verdadero icono del mundo contemporáneo”.

Organizada por Next Exhibition, está comisariada por Alejandra López y presenta una emocionante experiencia inmersiva, realizada con la técnica del videomapping, acompañada de una selección única, conmovedora y reveladora de fotografías que hacen referencia a momentos conocidos y desconocidos de la vida de Frida Kahlo.

El itinerario incluye reconstrucciones de los ambientes preferidos de la artista, como la Casa Azul.

Un viaje emocional para conocer a una mujer única, vivirla y comprender su esencia: su fuerza, su valor, su talento y su inmenso amor.

Fotografía familiar, (1926) Frida con su madre , su hermana, y otros familiares, vestida como un chico. Foto by Guillermo Kahlo, padre de Frida

Alejandra López, que durante diez años ha coordinado el registro de las colecciones, la realización de exposiciones temporales, y las actividades de restauración del legado de Frida, en la Casa Azul, Museo Frida Kahlo de la Ciudad de México, afirma: «La exposición es una selección visual de momentos importantes de la vida de Frida Kahlo. Es muy inspirador apreciar las diferentes etapas de su vida, revelando información sobre sus cuidados personales, la intimidad de los encuentros amistosos, captados magistralmente por famosos fotógrafos, así como momentos icónicos de la historia de México y del mundo.»

Es un canto a la alegría, a la vida y a la resistencia frente a las dificultades. La artista fue capaz de transformar su inmovilidad en oportunidad y su sufrimiento en una energía que la hizo inmortal. Frida es un verdadero icono del mundo contemporáneo.

FECHAS Y HORARIOS

La exposición abre al público:

Viernes, Sábado y Domingo www.fridakahlomadrid.es de 10:00 a 20:00h.

Acceso hasta 1 hora antes del cierre (19:00h.)

FB @nextexhibitiones

IG @next.exhibition_es

Entrada gratuita para menores de 6 años

CÓMO COMPRAR LAS ENTRADAS 

Las entradas pueden adquirirse a través de la web oficial de la exposición:

www.fridakahlomadrid.es

General: 19,73 €

Reducida (mayores de 65, de 6 a12 años, tarjeta de estudiante): 17,26 €

Grupo (mínimo 15 personas): 14,80 €

Escuelas: 13,45 €

VIP (Experiencia mexicana en la Sala VIP «Frida», donde podrás disfrutar de la experiencia inmersiva desde un punto de vista privilegiado. Bebida gratis): 35€

www.nextexhibition.es

El Arte, siempre es un buen plan. No se la pierdan, merece ser visitada.

Arte. Exposición, Frida Kahlo La Experiencia

Arte. Exposiciones. Exposición. Frida Kahlo La Experiencia. Madrid

/0 Comentarios/por
,

Arte. Paul Klee. Construcción, color, intuición, mensaje

 

image

Ensimismado autorretrato. 1912/13.

Paul Klee. Munchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879. Muralto, Suiza, 29 de Junio 1940.
De padre alemán, y madre suiza, pertenecen a una familia de músicos. A Klee un animal trabajador le interesaban, la pintura, la música, (fue un notable violinista), la literatura, escribió además de diarios, libros de arte.

Suya es esta reflexión, «Una línea es un punto que se pone a caminar», y también esta otra cuando el color, después de su emblemático viaje a Túnez, (lo domina, lo posee), … «Yo y el color somos uno». Fue profesor y también aportó su granito de arena a la pedagogía. Estudia arte en Múnich. Su capacidad de trabajo estaba, tan exacerbada que a lo largo de sus 61 años, llegará a pintar casi 10.000 obras.

1911. Expresionismo, pronto este gran creador que solo piensa en pintar, muestra una gran afinidad con un grupo de pintores denominado, Caballero Azul, (Blaue Reiter).

1912. Cubismo. En París contempla admirado las obras de Picasso y Braque.

Una década antes, en 1901, Paul Klee había viajado a Roma donde residio varios años y estudió a los clásicos.

1914. Realiza su iniciatíco y exótico viaje a Túnez, donde el brillo de una nueva luz que por primera vez aprecian sus asombrados ojos, le hace reflexionar y, desde ese momento interesarse exhaustivamente, por la precisión y el estudio del color… Diagramas, tablas de color, el orden, los números…, y el movimiento.

image

La casa giratoria. 1921.

CLASICISMO-ABSTRACCION-SURREALISMO-EXPRESIONISMO-NAIF-POP ART

A lo largo de su vida Paul Klee, participa de diferentes estilos, siempre activamente inquieto, bebe de diferentes fuentes, pero su creatividad es desbordante, y su pintura muy personal.

AÑOS DE EXILIO Y GUERRA

1911. Como ya dijimos anteriormente, en Múnich, se acerca, (mantiene una estrecha relación con este grupo de pintores), al Caballero Azul; se asocia y expone con ellos, traba amistad con Wassily kandinski y Fran Marc, sus fundadores; este último tristemente moriría en la batalla de Verdún. En esa gigantesca trituradora de carne humana (y animal) que fue la I Guerra Mundial, este triste suceso marcaría a Paul Klee interiormente, y lo arrastraría  por la senda de una pintura más intimista.

image

Primera Guerra Mundial. Guerra de las trincheras.

Klee al igual que el Fran Marc participó en la I Guerra Mundial, pues tenía la nacionalidad alemana que le había sido otorgada, al ser su padre ciudadano alemán, y nunca renunciaría a ella. Finalizada la gran matanza en 1918, se dedica al fin por entero a la pintura y la enseñanza. Suiza su país de nacimiento le negó la ciudadanía en su exilio político durante la persecución nazi, acontecida anteriormente al inicio de la II Guerra Mundial.

image

Sonido antiguo, Abstracto en negro. 1925.

1921/30 Paul Klee fue profesor de la Bauhaus (escuela de arte, diseño, arquitectura, artesanía), donde impartió clases de Teoría del color, también fue docente en la Academia de Düsseldorf. 1931/33.

1923. Es considerado uno de los miembros de los denominados como, Los cuatro azules (Die Blaue Vier), el grupo estaba formado por Kandinski, Feininger, Jawlensky, y Klee. 1924. Exponen en USA.

1928. Klee viaja a Egipto. Donde definitivamente la luz y el color, toman una nueva y potente dimensión en su obra.

1929. Visita España. Según sus palabras, «País en el que se crían los Goyas». Se interesa por los escritores, los músicos, y los pintores españoles; entre los que ya conoce desde hace tiempo, se encuentra el genial Pablo Picasso.

image

Polifonía. 1932.

1933. Paul Klee expone en el Moma donde obtiene un rotundo éxito. Este año tan dulce, también tiene sus ásperas y afiladas espinas, pues tiene que abandonar la enseñanza que felizmenten ejerce en Alemania, debido  la persecución a la que es sometido por el nazismo. Finalmente se produce el exilio en Suiza. Sus pinturas, desde entonces fueron consideradas, y definidas, como arte degenerado por la barbarie nazi, y fueron prohibidas.

1935. Expone en la Kunsthalle. 1936. Le es diagnosticada esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa.
1940. Se presenta una gran retrospectiva del artista en el Kuntshaus de Zurich. Este mismo año, es urgenteme ingresado al agravarse su estado de  salud, en una clínica de Murano, Suiza; poco después fallecería el 29 de junio a los 61 años de edad.

2016. Sátira, parodia o ironía. Se presenta En París en el Centro Pompidou, una nueva exposición de Paul Klee compuesta por 230 obras del pintor Suizo/Alemán. Su título, La ironía de la obra. Fechas del 16 de abril al 1 de Agosto.

Pintura. Paul Klee. Construcción, color, intuición, y mensaje.

Arte. Paul Klee. Klee. Pintura

/0 Comentarios/por
, ,

Arte. Landscape. Tomás Bartolomé. Terrible presencia

Landscape. (2021). Tomás Bartolomé. Técnica mixta sobre cartulina

GACELA DE LA TERRIBLE PRESENCIA

Yo quiero que el agua se quede sin cauce.
Yo quiero que el viento se quede sin valles.

Quiero que la noche se quede sin ojos
y mi corazón sin la flor del oro.

Que los bueyes hablen con las grandes hojas
y que la lombriz se muera de sombra.

Que brillen los dientes de la calavera
y los amarillos inunden la seda.

Puedo ver el duelo de la noche herida
luchando enroscada con el mediodía.

Resisto un ocaso de verde veneno
y los arcos rotos donde sufre el tiempo.

Pero no me enseñes tu limpio desnudo
como un negro cactus abierto en los juncos.

Déjame en un ansia de oscuros planetas,
¡pero no me enseñes tu cintura fresca!

Federico García Lorca

Arte. Landscape. Tomás Bartolomé. Terrible presencia

Arte. Tomás Bartolomé. Pintura. Pintores. Arte abstracto

/0 Comentarios/por
,

Arte. Ricardo Baroja. Hay en él, algo de desencanto

Autorretrato. Ricardo Baroja

RICARDO BAROJA. Hay en él, algo de desencanto


Ricardo Baroja. Pintor, escritor, actor.

Minas de Río Tinto 1871-Vera de Bidasoa, 1953.

Tío, de Julio Caro Baroja. Hermano de Pío Baroja. Su padre era ingeniero de minas, motivo por el cual nace en la provincia de Huelva, después, se trasladarían a Santander, y posteriormente a Madrid. A la edad de 15 años, realiza estudios de ingeniería en la Escuela Politécnica de Ingeniería de Madrid. Baroja, enferma de tuberculosis, recibe clases de pintura, y realiza estudios para optar al cuerpo de archivos y bibliotecas, su destino es Cáceres, también trabajaría, en Bilbao, Teruel o Segovia.

La Dársena. Ricardo Baroja

En 1902 abandona la carrera funcionarial, para valientemente, seguir su vocación de pintor. Realiza ilustraciones, frecuenta tertulias, viaja. Mientras tanto expone, en San Sebastián, Bilbao y Madrid. Recorre Paris, visita, Sevilla y Toledo. Es premiado en la Exposición Nacional de Bellas Artes, donde obtendrá, la segunda medalla en 1906, y la primera, en 1908. En 1910 es uno de los fundadores, de la Sociedad de Grabadores Españoles. Su técnica es el aguafuerte, se le compara con Goya; también es inventor de algunas técnicas de grabado nada académicas, sus procesos eran diferentes, y escandalizaban, a algunos adocenados,  por eso se le achacó, falta de técnica, sin embargo su maestría fue pronto reconocida con diferentes premios. Cuando se le comparara con el mismísimo Goya, él respondía sincero, “A mi me parece que de las obras mías, hay más distancia a las de de Goya,  que las de una pobre gallinácea desplumada y triste, que se arrastra en un corral exiguo, y un águila real, soberbia, que vuela encima de las nubes más altas y mira de frente el sol”.

Ricardo Baroja domina el claroscuro.

Los asfaltadores de la Puerta del Sol. Ricardo Baroja

Fue uno de los mejores amigos de Picasso, en la tacaña estancia madrileña (1900), del entonces joven artista malagueño, y al maestro Sorolla, le inició en las técnicas del grabado.

Considerado como uno de los mejores grabadores españoles. También fue un pintor dedicado al paisaje, sobre todo urbano. También escritor y actor, en 1919, casi en la cincuentena, se casa con Carmen Monné, también pintora.

En 1925 llegó el escándalo. En una conferencia acaecida en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, se mete con los críticos, no da nombres, aunque se suponen, no es para Ricardo Baroja nada personal, pero desde entonces, los críticos permanecerán airados. Baroja declara, “La critica del arte es invención de los tiempos modernos. Su objeto es proporcionar opinión artística a las personas incapaces de tenerla. Esto da la más clara idea de su utilidad. Aquellos que son incapaces de reaccionar ante un hecho artístico no pueden tener ni opinión propia ni prestada”. “No imitéis nada de lo que veáis, sed sinceros, personales, y así quizás vuestra obra posea el carácter más… bonito, más elegante que pueda tener una obra de arte…, la de ser inactual”.

Tormenta. (1942). Ricardo Baroja

Pintó paisajes, hasta que un grave accidente de tráfico en 1931, le provocó la pérdida de un ojo. Escritor también publicó la novela “Fernanda” en 1920.

1928 es nombrado profesor de la Escuela Nacional de Artes Graficas. En 1933, es uno de los fundadores de la Asociacion de Amigos de la Unión Sovietica. En 1935 alcanzó el Premio Nacional de Literatura. Su hermano Pío Baroja un año menor que él, era ya un reconocido escritor.

Ejerce como periodista y se asocia políticamente. Durante la guerra civil española, su casa madrileña es destruida por los bombardeos, y se ven obligados a residir penosamente en Vera de Vidasoa. Mientras tanto pinta y escribe. Terminada la fratricida contienda expone en Bilbao y San Sebastián. En 1953, fallece, de cancer, en Vera de Vidasoa.

1957 se reconoce su obra, con una exposición homenaje, en el Museo de Arte Moderno de Madrid. Su legado…Cerca de 1000 óleos casi 150 grabados, libros, ensayos, y crónicas periodísticas…¡Quien da más!

ARTE. RICARDO BAROJA. Hay en él, algo de desencanto

Arte. Ricardo Baroja. Pintor. Grabador

/0 Comentarios/por