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Arte. Van Gogh en Arles. Invierno de 1888. Tomás Bartolomé

Paisaje Arles en invierno

Paisaje
Arles en invierno. Tomás Bartolomé.

Van Gogh en Arles. Invierno 1888. (2010). Tomás Bartolomé

Van Gogh in Arles. Winter 1888. Mixed media on canvas. Técnica mixta sobre lienzo

Vincent Van Gogh. Zundert, Países Bajos, 30 marzo de 1853. Auvers-Sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890.

Este cuadro esta inspirado en las vivencias de Vincent Van Gogh en el frío invierno de Arles 1888.

Van Gogh. Procedente de París…

Viajó a Arles, al sur de Francia, a la Provenza; era el año 1888, febrero; el Valle del Rodano se encontraba bajo un manto de nieve blanca; ya habría tiempo para pintar los campos llenos de amarillos, robles retorcidos, y campos de trigo; los segadores, los girasoles de cielos y soles cegadores; el café, y su pequeña habitación alquilada en la «Casa Amarilla».

En Arles las heladas comienzan en diciembre y los campos se vuelven Azul y Blanco; nevadas, intenso frío, borracheras, depresión y pintura se convierten así, en una mezcla explosiva.

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Paisaje nevado con Arles al fondo. 1888. Van Gogh

Febril y atormentado Van Gogh pinta 300 obras en 15 meses. El 23 de Diciembre de 1888 después de una discusión con Paul Gauguin se corta el lóbulo de la oreja.

Carta de Vincent Van Gogh… Arles 5 de julio de 1888

-«Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy pequeños y retorcidos robles, en el fondo de una ruina en la colina, y campos de trigo en el valle… Era romántico, no podía ser más, a la Monticelli, el sol derramaba sus rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo; era absolutamente una lluvia de oro».

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Vincent Van Gogh 

Pintura. Tomás Bartolomé. Van Gogh en Arles. Invierno 1888. Van Gogh in Arles. Winter 88. Técnica mixta sobre lienzo.

Arte. Van Gogh en Arles, invieno 1888. Tomás Bartolomé

Arte. Tomás Bartolomé. Pintores. Van Gogh. Pintor. Pintores

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Arte. Hybrid Art Fair & Festival 2018. Hibridación de contenidos

Hola apasionados del Arte…

En el Hotel Petit Palace Santa Bárbara, situado en la plaza del mismo nombre de  Madrid se celebró La segunda edición de la Hybrid Art Fair & Festival 2018. los días 23, 24 y 25 del mes de febrero. Su posición, la orientación que proyecta la feria, sus proposiciones artísticas se dirigen hacia la vanguardia del arte contemporáneo nacional e internacional.

Diálogos. Tamara Jacquin. Est_Art Space, (Madrid). Foto by TbArt archivos fondos propios.

30 galerías, colectivos, y espacios culturales; propuestas experimentales jóvenes e independientes del arte emergente internacional en un espacio expositivo que utiliza las habitaciones del hotel (camas y mesillas, además de las paredes, incluido el wc), como soporte para las diferentes creaciones artísticas alternativas.

Aspecto de un stand de la feria en una habitación del hotel. Foto by TbArt archivos fondos propios.

Exhibición  artística experimental (en algunos casos). Participamos de ella, como un alternativa al panorama expositivo, con una programación de arte, musica, presentaciones, performances, y charlas.

En la cama con Miss Beige. Instalación. Foto by TbArt archivos fondos propios.

El viernes 23 después de una pequeña siesta, un café, algo de dulce, y unos cigarros, nos dirigimos, a una feria de arte que nos gusta…, nos gusta, su orientación hacia la sorpresa, la interacción, y el entretenimiento, siempre con criterio. Destacaría de lo que vi, muchas obras  interesantes,  pero en clave de…,  «espera un momento», destacaré a, En la cama con Miss Beige. Sola, recostada en una cama de hotel sin deshacer… ¿Te quieres acostar con ella? ¡Te harán un antiselfie!

La carne orgullosa. Pablo y Herny. Foto HYBRID.

Cuando entré en una de las  habitaciónes que ocupaba la Galería de Arte Rizoma (Madrid), me crucé en el estrecho pasillo, con Pablo, de Pablo y Herny, (al que aun no conocía), él salía en ese momento y, me dijo…, «pasa es muy bueno», poco después me lo crucé de nuevo…, esta vez me aguardaba la pregunta, «¿te ha gustado?». Sobre la cama sin deshacer, se encontraba tendida, una escultura (una figura crucificada), de carne y visceras, envasadas al vacío. El resultado era impactante. Herny, la otra parte del tándem, me contó, que ahora, se encontraban trabajando con carne fresca, y enseguida me surgieron algunas inquietantes preguntas; luego finalmente intercambiamos, algunas interesantes impresiones en el bar…

Monica Ezquerra. (Srta M). Dosmilvacas, Ponferrada, (León). Foto by TbArt archivos fondos propios.

Me interesó también,  la obra de ARS magna (Lanzarote) una asociación cultural y artística que presentaba en la feria a 5 artistas emergentes contemporáneos; también, Natasha Lelenco, Reme Remedios, Bolidismo, y otros muchos artistas a los que no he  podido reseñar, pero que también merecieron mi atención.

Una edición muy interesante y llena de emociones, Altamente recomendable.

Hybrid Art Fair & Festival 2018. Frescura e Hibridación de contenidos.

Hybrid Art Fair & Festival 2018. Arte. Arte contemporáneo. Feria de arte contemporáneo.

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Exposición fotográfica. Felipe Jácome. Galería Nueva. Madrid

Hola buenos días apasionados por el arte. Creo, un buen plan pasar el día visitando una exposición de fotografía, tan interesante y necesaria. Un buen trabajo con intención lleno de interés y técnica.

Nota de prensa

 Exposición fotográfica de Felipe Jácome en Galería Nueva, 21/09/2022 – 2/10/2022

Artista ecuatoriano Felipe Jácome expone por primera vez en España su proyecto fotográfico ´Caminantes´

Madrid, 12 de septiembre de 2022.- El artista y fotógrafo ecuatoriano Felipe Jácomepresenta por primera vez en España su proyecto ´Caminantes´. La exposición tendrá lugar desde el 21 de septiembre hasta el 2 de octubre en Galería Nueva(Doctor Fourquet 10, Madrid).

● El proyecto, que se encuentra de gira europea, retrata el camino que emprendió el artista junto con un grupo de venezolanos que abandonaban su país para documentar su éxodo

● En esta serie, las imágenes de los migrantes venezolanos son transferidas sobre billetes de bolívares, ya sin ningún valor, utilizando un proceso de revelado de haluro de plata

El proyecto, que se encuentra de gira europea, llegará a Madrid, con el apoyo de la Embajada de Ecuador en España, directamente de París, donde se ha expuesto en Paris Photo 2019, para regresar nuevamente a la capital francesa en noviembre, a las salas de la Embajada de Ecuador.

Documentar el éxodo

 ´Caminantes´ es un proyecto que surge de la experiencia de Felipe Jácome en Venezuela como fotógrafo. En 2018, el fotógrafo estaba documentando la llegada de los migrantes venezolanosa Ecuador, cuando una niña le entregó un billete de 100 bolívares doblado como un corazón de origami. Enterder que una niña jugaba con un billete porque ya no tiene valor le hizo plantearse una serie de preguntas: ¿qué ha pasado para que ese dinero pierda su valor? y, más importante, ¿cuáles son las consecuencias que eso tiene sobre la vida de las personas? Esta figura de origami se volvió una pista para comenzar a comprender la causa y la magnitud de la crisis: el dinero en Venezuela ya no vale nada y la  gente ya no puede subsistir.

Meses después, Jácome emprendió el camino con un grupo de venezolanos que abandonaban su país para documentar su éxodo. En el camino, el artista encontró a miles de personas caminando a lo largo de la carretera; sus caras, llenas de  pena, nostalgia y miedo ante  la incertidumbre de sus vida. En los montes y pueblos que atraviesan, estas personas son conocidas como ¨los caminantes¨, de ahí el nombre de la serie.

Las caras de los próceres de la patria sobre los billetes—Bolívar, Miranda, Guaicaipuro, Cáceres de  Arismendi— que alguna vez fueron los símbolos de la prosperidad venezolana, ahora parecen ser testigos de una generación expulsada de su país por el hambre y la desesperanza. De igual manera, la flora y fauna en el reverso de los billetes ahora parecen  representar una tierra abandonada por su gente.

En esta serie, las imágenes de los migrantes venezolanos son transferidas sobre billetes de bolívaresya sin ningún valor utilizando un proceso de revelado de haluro de plata. Cada billete se pega sobre paneles y se sellan con barniz. La plancha de billetes después recibe varias  capas de haluro de plata.

La elaboración de cada obra tarda entre 2 y 3 días. Una vez que la emulsión está seca,  se transfiere las fotografías utilizando negativos gigantes como hojas de contacto. Después se revelan químicamente las fotos sobre los billetes en un cuarto oscuro.

 Sobre Felipe Jácome

 Felipe Jácome es un fotógrafo nacido en Ecuador. Tras finalizar sus estudios en la London School of Economics, su trabajo se ha centrado en temas de movilidad y derechos humanos.

En 2010, ganó el Concurso de Jóvenes Reporteros del Comité Internacional de la Cruz Roja (CICR). Sus fotografías han aparecido en publicaciones como National Geographic, The Washington Post, Foreign Policy Magazine, The Guardian, Vice Magazine y CNN.

 El trabajo de Jácome ha sido expuesto en Londres, Ginebra, Ámsterdam, Quito, La Paz y Washington DC. En 2019, fue seleccionado por World Press Photo para el Premio al Talento Global 6×6 para América del Sur.

 Exposición ´Caminantes´, de Felipe Jácome.

 Inauguración: 21 septiembre a las 19:30h

 Período de exposición: 21 septiembre – 2 octubre 2022.

Galería Nueva Doctor Fourquet. c/ Calle Doctor Fourquet, 10

28012, Madrid

 Horario: A partir del 22 de septiembre: martes a viernes, de 11:00h a 14:00h y de 17:30h a 20:30h; sábados, de 11:00h a 14:00h y tardes con cita previa.

 

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Arte. Escultura. Mateo Hernández. Y un bloque de diorita

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Mateo Hernández Sánchez. Bejar, Salamanca. 1884. Meudon, Francia 1949.

ESCULTOR. TALLA DIRECTA

MATEO HERNÁNDEZ. El escultor bejarano nace en un familia de canteros, se casa a la edad de 21 años con Petra Téllez; un año más tarde se separan, y el escultor, que reside en Bejar, su ciudad de nacimiento, se traslada a Salamanca. Ese mismo año viaja a Madrid (becado por la Diputación de Salamanca) donde realiza estudios de dibujo, y modelaje de lo antiguo, en la Escuela Nacional de Bellas Artes, solo dos años después regresa nuevamente a Salamanca, y de allí marcha a París.

PARÍS

La llegada a la capital francesa en 1910, no resulta nada fácil, el escultor no habla ni una palabra de francés y se encuentra sin trabajo, sin embargo al poco, comienza a trabajar en la construcción como cantero. Tiene 26 años. Dos años después conoce al gran amor de su vida, Fernande Carton Millet, estudiante de magisterio, que habla perfectamente español, y que ayudará al escultor incluso, con su pobre sueldo de maestra.

MATEO HERNÁNDEZ, trabaja incansablemente en su oficio, es un asiduo visitante del zoo parisino donde toma apuntes del natural y se percibe su amor y respeto por los animales; además, son unos modelos baratos, en un momento, en que a veces es difícil pagar las facturas… Así transcurren unos años.

1920 EL AÑO DEL ÉXITO, alcanza la fama y el reconocimiento

Pantera de Java. Pantera Rothschild. 1920

El Barón Rothschild, adquiere su obra Pantera de Java realizada en granito negro de Bélgica, en el Salón de Otoño de París. El aristócrata paga por la escultura nada más, ni nada menos, que 60.000 francos, una cifra desorbitada para aquellos años 20 de penuria y crisis. Pertenece a la colección particular del Barón, se encuentra en Paris.

PANTERA DE JAVA

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Gran Pantera de Java o Pantera Kerrigan. 1922/1925

1923, MATEO HERNÁNDEZ consigue un gran bloque de diorita, la diorita, es una de esas rocas de la naturaleza, similar al granito, y a esta última roca, la conoce bien de su tierra bejarana, donde al ser muy abundante, es usada en la construcción; el escultor, así pues el artista, con su apreciado bloque de diorita comienza, lo que sería una de sus obras más emblemáticas, La Pantera de Java, que actualmente se encuentra en el Metropolitan de NUEVA YORK. Después de dos años de arduo trabajo con su talla directa llena de riesgos, la presenta en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925, resultando galardonada, con el Gran Premio de Escultura. Dos años después La Pantera de Java, sería adquirida por el señor y la señora Kerrigan.

Mateo Hernádez declaró sobre lo ocurrido…

«Yo no quería venderla, esa obra la quería para mí, puse un precio muy alto para no venderla… y se la llevaron».

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Mateo Hernández esculpiendo La Bañista. 1925.

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La Bañista. 1925. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En 1927, la Sociedad del Amigos del Arte organiza una exposición en Madrid, de 27 obras de arte del escultor, asistió al evento la Familia Real; esculturas, no se vendió ninguna, si bien es cierto, que los precios del genial artista no eran aptos para cualquier bolsillo.

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Gorilas. (Maternidad). 1948. Museo Municipal de Escultura Mateo Hernández

1928, MATEO HERNÁNDEZ, adquiere una espaciosa casa en Meudon, Francia; allí, en su taller, en el que solo y exclusivamente trabaja él, realiza obras de gran tamaño. Trabajador incansable se consagra totalmente a la Escultura, desdeña los materiales blandos y dúctiles, y ataca con rabia los grandes bloques de piedra, ¡cuanto más duros mejor! A veces tenía que vendarse los brazos del dolor, pues constantemente, las briznas de piedra y el chisporroteo que provoca el cincel sobre la dura roca, le causaban golpes y laceraciones.

1949. MATEO HERNÁNDEZ, fallece en su casa de Meudon; finalmente es repatriado y enterrado en Bejar, su localidad natal donde existe un museo (permítanme recomendárselo), dedicado íntegramente a la figura de su insigne vecino; contiene unas 50 obras que actualmente, están cedidas en deposito, por el Museo Reina Sofía de Madrid.

Mateo Hernández. Escultor….

Arte. Escultura. «He podido tener un bloque de diorita para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga».

MATEO HERNÁNDEZ. LA PANTERA DE JAVA. ESCULTORES. ESCULTURA. BEJAR. SALAMANCA. MADRID. PARÍS. MUSEO REINA SOFÍA

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Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. El velo delicado, de un sueño

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MR KEY. TOMÁS BARTOLOMÉ
Óleo/lienzo. Oil/Canvas. (2016).

La clave, la llave que abre la puerta, nuevos caminos aparecen, y se olvidan, el reloj tiene su lógica, y el ser humano otra. Es una herida que no sana, y  la acompaña, un grito eterno.

PRESENCIA

Emoción, largo y profundo trago

Transferencia e inocua

Alquimia oculta y picuda

Hollar el velo delicado…

De un sueño evocado, traído

Maestro de un secreto revelado,

En trazas regalas sedas;

Extasis, gasolina, nuez borracha

Inspiración presenciada

Llamarada leve. Llave evaporada

Exposición, frío metal…

Aceite de lino…, y argán.

Tomás Bartolomé

Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. Hollar el velo delicado De un sueño evocado Maestro de un secreto revelado

Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. Óleo. Pintores. Pintor. Óleo. Óleo lienzo

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Arte. Exposición Itinerance. Junio 2022. Madrid

Hola apasionados del Arte. Próximamente tendremos la ocasión de visitar esta interesante exposición colectiva de vocacionales artistas, que muestran sus trabajos, en un espacio que los acoge con esmerado cuidado. Un buen plan para un día especial.

Una de las obras de la exposición

Nota de prensa

La exposición ITINÉRANCE de la Casa de Velázquez ya tiene fechas: el 11 de junio abrirá sus puertas al público.

Exposición abierta de lunes a domingo de 10:00 a 20:00 (cierres excepcionales: 14 de julio y 26 de julio) En la Casa de Velázquez – C/ Paul Guinard, 3 – Ciudad Universitaria – Madrid

La muestra colectiva ITINÉRANCE recoge el trabajo realizado por los residentes de la sección artística de la Casa de Velázquez: la Académie de France à Madrid.

Una de las obras de la exposición

El público podrá así acercarse a los proyectos desarrollados por los artistas becados a través de una selección de obras representativas de todas las expresiones artísticas que han convivido en la Casa de Velázquez desde el pasado otoño.

Pintura, artes visuales, cine, fotografía, grabado, escultura… un año más, la diversidad de técnicas será el punto fuerte de la primera etapa de esta exposición itinerante que se mostrará, en 2023, en París y Nantes.

La Casa de Velázquez presenta, a partir del 11 de junio, la exposición ITINÉRANCE, muestra del trabajo realizado por los artistas residentes de la promoción 2021-2022 de su sección artística: la Académie de France à Madrid.

Con ITINÉRANCE, los artistas residentes alcanzan una etapa clave de su estancia en Madrid: después de casi un año en los talleres de la Casa de Velázquez, ha llegado el momento de desvelar al público el fruto de su trabajo y la culminación de los proyectos a los que han podido dedicarse de lleno en los últimos meses.

La muestra está compuesta por las obras de:

Najah ALBUKAI (Grabado – Pintura – Dibujo), Carmen AYALA MARÍN (Pintura), Chloé BELLOC (Arte visual – Cine), Maxime BIOU (Pintura),

Lise GAUDAIRE (Fotografía – Artes visuals), Mathilde LESTIBOUDOIS (Pintura), Anna LÓPEZ LUNA (Artes visuales – Vídeo), Eve MALHERBE (Artes plásticas), Alberto MARTÍN MENACHO (Cine), Adrien MENU (Escultura),

Pablo PÉREZ PALACIO (Artes plásticas), Arnaud ROCHARD (Grabado)

y Mery SALES (Artes visuales)

Una de las obras de la exposición

Estos artistas llegaron en septiembre de 2021 con un proyecto que les ha servido de guía para experimentar, probar, tantear, hibridar, cuestionar, pero también para observar, sentir, crecer y elevarse. Así, ITINÉRANCE recopila piezas elegidas ellos mismos como las más significativas de su trabajo actual y su evolución.

La exposición se concibe como un retrato vivo y colectivo de este año de residencia, poniendo de manifiesto la diversidad de prácticas creativas, así como la multitud de enfoques e inquietudes que han hecho vibrar la Casa de Velázquez a lo largo de estos meses.

De obra en obra, los artistas nos invitan a observar el «vibrante letargo» de nuestro tiempo, los fenómenos de «aislamiento y claustración» que nos llevan a repensar el papel y el lugar del individuo en la comunidad; a cuestionar el cuerpo como herramienta de producción, «a imaginar nuevas posibilidades al tiempo que tomamos nota de la devastación en curso»; ir en busca de los oasis, o a escuchar la «polifonía del pensamiento feminista» y ecofeminista.

Punto culminante de la programación anual de la Académie de France en Madrid, la exposición ITINÉRANCE refleja también las misiones esenciales de la institución: acoger, apoyar y promover a las nuevas generaciones de artistas para que puedan expresarse plenamente, experimentar y aventurarse serenamente en los caminos siempre nuevos de la creación contemporánea.

LA CASA DE VELÁZQUEZ

La Casa de Velázquez es una institución francesa fundada en 1920, que tiene como objetivo fomentar la cooperación y los intercambios artísticos, culturales y universitarios a nivel bilateral e internacional. En la actualidad, la Casa de Velázquez desempeña su labor bajo la tutela del Ministerio francés de enseñanza superior, investigación e innovación, y forma parte de la red de las cinco Écoles françaises à l’étranger.

Desde su creación, desarrolla sus actividades en torno a un modelo único, apoyando a la vez la creación artística contemporánea y la investigación científica en el campo de las Ciencias Humanas y Sociales.

Su sección artística, la Académie de France à Madrid, acoge cada año en residencia a unos treinta artistas de diversas procedencias geográficas, en un ámbito multidisciplinar: arquitectura, artes plásticas, cine, composición musical, fotografía, vídeo… Lugar de creación e investigación tanto como de vida, permite a artistas –emergentes o confirmados– afianzar sus orientaciones de trabajo y experimentar vías nuevas.

@casadevelazquez casadevelazquez casadevelazquez casadevelazquez.org

EXPOSICIÓN ITINÉRANCE

ARTISTAS DE LA CASA DE VELÁZQUEZ – ACADÉMIE DE FRANCE À MADRID 2021-2022

Apertura al público el sábado 11 de junio – Hasta el viernes 29 de julio

Exposición abierta de lunes a domingo de 10:00 a 20:00 (cierres excepcionales: 14 de julio y 26 de julio) En la Casa de Velázquez – C/ Paul Guinard, 3 – Ciudad Universitaria – Madrid

Arte. Exposición Itinerance. Junio 2022. Madrid

Arte. Exposición Itinerance. Exposiciones de Arte.

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ARTE. BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

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El Arca de Noé. Miquel Barceló. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

Jueves 22 de septiembre de 2017. MIQUEL BARCELÓ el artista reconocido internacionalmente, (con obra expuesta en el museo del Louvre) en el Paraninfo de las Escuelas Mayores, fue investido como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, en el 800 aniversario de su creación. También, el crítico de arte y catedrático, Francisco Calvo Serraller recibió, este significativo doctorado.

ARTE

En Salamanca, la bella ciudad charra, a orillas del Tormes llena de arte, en ese mismo, y emocionante momento de la formal investidura, se encuentraba activa, una interesante muestra, con parte de los últimos trabajos del artista mallorquín…

Exposición «El Arca de Noé»

28 de abril de 2017 /1 de octubre de 2017

Miquel Barceló. VIII Centenario de la Universidad de Salamanca

80 obras: pintura, escultura, cerámica, obra sobre papel (acuarelas), perfomance. La mayoría realizadas en los últimos 6 años, y algunas de ellas inéditas. Se encuentraban, repartidas así:

Sala de Exposiciones del Patio de Escuelas, 26 acuarelas (2001/2003) pertenecientes, a las ilustraciones realizadas por el artista para La Divina Comedia, de Dante Alighieri. Formando, un grupo de acuarelas de formato medio, muy interesantes, oscuras y bellas.

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El infierno. Acuarela. Barceló. Imagen, foto vía internet

Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca. Pinturas y obras en papel de gran formato (2009/2016), y cuadros con relieve, a base de telas (empapadas en almidón antes de aplicar la pintura, para así conseguir volúmenes y relieves), son representaciones de pinturas rupestres, animales de las Cuevas de Chauvet (descubiertas en 2014) que recuerdan a las de Altamira. Intensos blancos, verdes, o azules apasionantes, también oscuros fondos abismales, fogonazos de intemporalidad; fluorescencias (2015).

Detalle de una de las obras de la exposición. Miquel Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Capilla del Arzobispo Fonseca. Inédita, La obra El Arca de Noé que dando título a esta exposición ocupa el muro frontal, el crucero de la capilla, mide 4×20 metros. El  público en general aún no pudo verla, hasta en esta feliz ocasión; acompañan a la monumental obra, 18 cerámicas (2012/2016). ¡Siempre, eternamente el barro pegado a la piel y el alma de Barceló!

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Cerámica. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio Palacio de Anaya. Le grand écouteur, (2015). Simula una gran obra de barro, y lo consigue, su aspecto es pesado, sin embargo es una pieza muy ligera (una mezcla de poliuretano y otros materiales). Es como un gran oreja que se ablanda en su pedestal.

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Le grand écouteur. Miquel Barceló. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio de Escuelas Menores. 14 Allumettes, (2015). bosque de cerillas de bronce que se retuercen ya apagadas, son de gran altura y, necesitan un espacio más amplio de exposición, que en el que se encuentran situadas, que por lo demás, es un patio bellísimo a escasos metros de la fachada de la universidad, desde el que se pueden ver las torres de la catedral. Una gran competencia para las tristes y apagadas cerillas.

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Allumettes. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Plaza Mayor. Gran Elefant Dret (2008). El monumental elefante blanco boca abajo. i O como hacer equilibrios imposibles sobre su trompa!

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Gran Elefant Dret. Miquel Barceló. Foto. By TbArt Archivos fondos propios

Barceló Honoris Causa y su Arca de Noé

Miquel Barceló. Barceló. Honoris Causa Salamanca. Exposición El Arca de Noė. Pintura. Pintores. Arte. Artista. Escultura. Cerámica.

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Arte. Hopper. Hiperrealismo Poético. Soledad en Nueva York

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Edward Hopper. Nyack (pequeña población, estado de Nueva York) 22 de julio de 1882. Nueva York 15 de mayo de 1967.

Edward Hopper. Hiperrealismo poético y soledad en Nueva York

En 1900. Edward Hopper realiza estudios de Arte (pintura) en la New School of Art, posteriormente comenzaría a trabajar como ilustrador publicitario. En 1906, viaja por Europa donde estudia a los pintores más relevantes de la historia. Visita París (reside en la capital francesa medío año en 1909), después vendrán, Londres, Bruselas, Berlín. Finalmente regresa a USA.

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Gasolinera. 1940.

Posteriormente en 1910, vuelve a Europa, París (nuevamente), y España, donde se interesa vivamente por Francico de Goya. Visita Madrid y Toledo donde admira la pintura de El Greco. Sería la última vez que el gran artista viajaria a Europa, y España fue el destino elegido por el gran pintor neoyorkino. A su regreso, se establece definitivamente en Nueva York. Ciudad a la que él ama; ciudad que le alimenta.

Ama a la gran urbe, encontrando en ella una individualizada soledad; una soledad congelada, impregnada de melancolía; es un mordaz observador, que fija la imagen de la vida cotidiana estadounidense, en sedados paisajes urbanos; a la luz del tugsteno, de una tarde soleada; o tal vez, en el poético contraluz, o en la fría radiación de un neón brillante; morfinómano, hiriente e inconstante

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Ventanas en la noche. 1928.

1918. Edward Hopper forma parte del Whitney Studio Club (Asociacion de artistas independientes).

En 1915 y hasta 1923, más que propiamente a la pintura, se dedica al grabado (punta seca, y aguafuerte), en esta especialidad recibe premios y reconocimiento. Sin embargo Edward Hopper, tarda en obtener éxito. Finalmente después de realizar dos exposiciones, una de acuarelas, y otra de pinturas, (1923/24), ya con 42 años, consigue el reconocimiento y la fama.

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Habitación en Nueva York. 1932.

Hopper siendo ahora un artista reconocido, se casa en 1924 con Josephine Nivison, (Jo), también pintora y que se convierte en su única y exclusiva modelo, ya que la posesiva Josephine, no aprobaba, que su marido contara con otras para nada.

Dos comediantes. 1965. La ultima pintura de Hopper

La pareja lleva una vida de lo mas burgués, hasta poseen una bonita segunda casa, tranquila y apacible cerca del mar; se entienden tan bien, el sincronismo es tan grande, que curiosamente fallecerían los dos, casi al mismo tiempo; apenas, con unos meses de diferencia. (Hopper, Al final, adelantó un poco el ignoto viaje).

Mercado del Arte

Hasta un año antes de su boda (1924), HOPPER no había vendido más que dos cuadros y, estaba derivando su realidad, a la que tristemente le aconteció a Van Gogh, del que fue su contemporáneo 8 años, y que a los 37 años, cuando sé suicidó en 1890, de un  disparo, detrás de las ruinas de un castillo (para más romanticismo), se encontraba en el mismo precario caso ¡El pasado 2013, se subastó una obra de HOPPER en Nueva York por 29’8 millones de euros!, de nuevo otra similitud más con el genio holandés del cabello rojo, y de precios prohibitivos, en 1990 se pagan en subasta casi 16 millones de euros, por un Van Gogh…, ¡mas, que distintos eran!

Las pinturas de Hopper, son muy elaboradas, y con un estudio geométrico previo importante; rezuman reflexión, planificación, dibujo (bocetos), y trabajo previo.

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Llenos de sol y soledad. En medio del desierto, en el interior de un bar, o una habitación de hotel, sus personajes, en un momento especialmente íntimo, nos invitan a contemplarlos, y dulcemente se olvidan de nosotros…

¿Qué Pensarán? Silenciosos, Absortos, Congelados en un Ambiente Frío y Artificial

Iluminación fluorescente, neónes, o luz solar hiriente; luces y sombras. Ensimismamiento, una cuidada puesta en escena de sofisticación y belleza. Imágenes urbanas de alto impacto visual, en una ambientación «Poéticorrealista», colmada de casas, personajes, y ventanas; imágenes a menudo llenas, de meridianas referencias al lenguaje cinematográfico, y a los bajos fondos de la novela negra.

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Dos comediantes. 1965. La ultima pintura de Hopper

La última pintura que realizó HOPPER fue la titulada «Dos comediantes», en ella sus dos personajes, Josephine (Nivison), y Edward (Hopper), se despiden saludando al público desde el proscenio. Es el ultimo adios. Aplausos; poco después caerá el telón, todo habrá acabado para siempre, han asistido ustedes… a la última representación mundial, de Edward Hopper y Josephine Nivison.

Edward Hopper. Hiperrealismo Poético y Soledad en Nueva York

Edward Hopper. Hopper. Arte. Pintura. Hiperrealismo. Nueva York. Mercado del Arte

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Literatura. El Libro. The Book. Lovecraft/Barceló

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Escultura. Miquel Barceló.

The Book -El Libro-Howard Phillips Lovecraft.

El bueno de H.P Lovecraft, nunca estuvo satisfecho con sus composiciones poéticas (de hecho escasas), pero el texto de El libro desde el minuto uno, está cargado densamente, de una atmósfera tal, que incluso se podría cortar con el filo de un cuchillo romo. De Barceló, os diré que es uno de mis artistas favoritos, al que admiro, por su valentía y arriesgada búsqueda, colmada de arte, por su orientada inspiración, y por su…, transpiración.

Seguidamente, el raro poema de Lovecraft en inglés y español, y dos pinturas de Miquel Barceló

LOVECRAFT-BARCELÓ

The Book. (1929)
The place was dark and dusty and half-lost
In tangles of old alleys near the quays,
Reeking of strange thing brought in from the seas,
And with queer curls of fog that west winds tossed,
Small lozenge panes obscured by smoke and frost,
Just showed the books, in piles like twisted trees,
Rotting from floor to roof-congeries
Of crumbling elder lore at little cost.

I entered, charmed, and from a cobwebbed heap
Took up the nearest tome and thumbed it through,
Trembling at curious words that seemed to keep
Some secret, monstrous if only one knew
Then, looking for some seller old in craft,
I could find nothing but a voice that laughed.

Howard Phillips Lovecraft

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El Libro. Miquel Barceló

EL LIBRO, (1929). H P LOVECRAFT

El lugar era oscuro y polvoriento y medio perdido

en una maraña de viejos callejones junto a los muelles,

apestando a algo extraño traído de los mares,

y con curiosos jirones de niebla que el viento del oeste dispersaba.

Pequeños pedazos romboidales, oscurecidos por el humo y la escarcha,

solo mostraban la pilas de libros, como árboles retorcidos

pudriéndose del suelo al techo… acumulación

de un saber antiguo que se desmoronaba a bajo coste.

Entré, hechizado, y de un montón cubierto de telarañas
cogí el volumen más cercano y lo hojeé al azar,
temblando al leer raras palabras que parecían guardar
algún secreto, monstruoso si uno lo supiera.

Después, buscando algún vendedor versado en el oficio,

no pude encontrar más que una voz que reía.

Howard Phillips Lovecraft

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Pintura. Miquel Barceló

El 27 de Abril de 2017, Barceló realizó su última exposición en España (El Arca de Noé), hasta el momento, con motivo de la celebración del 800 aniversario de la Universidad de Salamanca; también recibió el artista, en la capital charra, el título de Doctor Honoris Causa de dicha centenaria institución académica, en la que por supuesto, visitó su magnífica biblioteca.

Literatura. El Libro. The Book. Howard Phillips Lovecraft. 1929. Poesía. Miquel Barceló.

Literatura. Escritores. Howard Phillips Lovecraft. Lovecraft. Poesía. The Book. El Libro. Barceló. Miquel Barceló. Arte

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Arte. Exposición. “Fibras que hablan por sí solas”. Madrid

Hola apasionad@s por el arte. De nuevo una exposición muy interesante en Madrid. Un buen plan para disfrutar cualquier día de la semana, una estupenda cita, con lo que positivamente nos emociona, y llena.

Nota de prensa

Del 8 de septiembre al 2 de octubre, el público podrá disfrutar la exposición  ́Fibras que hablan por sí solas ́ en la Galería Nueva Las Letras de Madrid

Telas de seda, fibra de vidrio y luz led conforman el mundo creativo de Geldenhuys

Catorce obras de reciente creación en las que el artista traslada el arte milenario de la teselación al arte contemporáneo más innovador

El arte textil del artista sudafricano Pierre Louis Geldenhuys llega a Madrid

Madrid, 1 de septiembre de 2022.- Coincidiendo con Apertura Madrid Gallery Weekend, la Galería de arte LUISA PITA, de Santiago de Compostela, inaugura el 8 de septiembre la exposición  ́Fibras que hablan por sí solas ́, del artista sudafricano Pierre Louis Geldenhuys, en la Galería Nueva Las Letras (Madrid).

La exposición, comisariada por Pedro Vaquerizo y Luisa Pita, está integrada por catorce obras de reciente creación. Las telas de seda, la fibra de vidrio y la luz led son los materiales básicos que conforman el mundo creativo de Pierre Louis Geldenhuys, transmitiendo a través de estos no sólo un efecto estético, sino también una serie de lecturas e interpretaciones sobre la tradición y la tecnología.

Cada obra, piezas únicas de tela, son el resultado de un proyecto de ingeniería geométrica en el que manipula la seda a base de pliegues y en las que la proporción, el orden, la regularidad y la belleza se vuelven aún más sorprendente al incorporar la luz led, consiguiendo la tridimensionalidad de las formas y encapsulando cada obra en una caja de metacrilato.

Del arte milenario de la teselación al arte contemporáneo más innovador

Artista polifacético y curioso, se inició en el mundo del arte con los collages cosidos, una técnica híbrida que toma como base el arte tradicional y el arte textil contemporáneo para, poco a poco dirigir su atención a la investigación de la técnica milenaria de la teselación con fibras naturales, especialmente la seda salvaje.

A medida que desarrolla esta técnica, incorpora otro material, la fibra de vidrio, que juega un papel fundamental otorgando un carácter conceptual a la obra. Cientos de metros de hilo se cuelgan, se balancean y suspenden recorriendo toda la superficie.

A partir de la idea de “obra viva y en movimiento”, se desarrollan para esta exposición 7 piezas tituladas  ́Preservat ́ que resaltan las sinergias entre el proceso creativo del artista y la conservación de la naturaleza, homenajeando la amplia variedad y riqueza de ecosistemas y reclamando la necesidad de preservar los recursos naturales de los agentes invasores, trasladando a la sociedad el mensaje de conservar y cuidar nuestro planeta.

Las nuevas tecnologías y la fibra digital tienen un papel importante en la obra del artista, creando, a través de vídeo mapping, múltiples interpretaciones geométricas que el artista transmite al espectador al proyectarlas y superponerlas en algunas de sus obras más complejas, de tal forma que el movimiento y el ritmo de cada proyección pasan a formar parte de la naturaleza y esencia inmaterial de la obra.

́Fibras que hablan por sí solas ́ representa el trabajo más arduo y comprometido de Geldenhuys. Hasta el 2 de octubre, su creatividad recorrerá el espacio de Galería Nueva, trasladando el arte milenario de la teselación al arte contemporáneo más innovador.

Sobre Pierre Louis Geldenhuys

Pierre Louis Geldenhuys (Sudáfrica, 1971) es diseñador de alta costura y artista textil formado académicamente en las disciplinas de vestuario, props, textiles, maquillaje, decorados, iluminación, sonido y producción, fruto de sus licenciaturas en Artes de Teatro y Diseño de Moda por la Tswane University of Technology, de Pretoria, y la Cape Peninsula University of Technology, de Ciudad del Cabo.

A mediados de los noventa, inicia su primera etapa profesional que empieza como responsable de vestuario en The State Theatre, de Pretoria, y finaliza como diseñador de moda y alta costura para la firma Rosenwerth, en Ciudad del Cabo. También destaca, en este período, su trabajo como diseñador de interiores y pintura de murales para la firma Art-Call y CT Loft Interiors, sus trabajos escultóricos para anuncios de televisión de la firma Honda, así como sus diseños para Young Designers Emporium (YDE) y Coast Line Clothing. Participó y fue finalista del concurso de la televisión sudafricana Fashion your Future.

En 2005, inicia una segunda etapa y crea su propia firma de ropa, Pierre Louis The Art of Dressing, en Ciudad del Cabo, tanto prêt-à-porter como alta costura.

  Al cabo de 10 años, Pierre Louis Geldenhuys se afinca en España combinando su residencia entre Valencia, Madrid y Barcelona, y da un giro en su trayectoria profesional, investigando y enfocándose en el arte textil, basado en la geometría y la técnica de teselación.

Exposición  ́Fibras que hablan por sí solas ́, de Pierre Louis Geldenhuys.

Inauguración:

8 septiembre a las 19:30h

Días 9 y 10 de septiembre:

de 11:00h a 14:00h y de 17:30h a 21:30h Día 11 de septiembre:

de 11:00h a 14:00h y de 17:30h a 20:30h

Período de exposición: 8 septiembre – 2 octubre 2022 Galería Nueva Las Letras.

c/ San Agustín 14, bajo derecha. 28014, Madrid.

Horario:

A partir del 12 de septiembre: martes a viernes, de 11:00h a 14:00h y de 17:30h a 20:30h; sábados, de 11:00h a 14:00h y tardes con cita previa.

Arte. Exposición. “Fibras que hablan por sí solas”. Madrid

Arte. Exposiciones. Fibras que hablan por sí solas. Pierre Louis Geldenhuys. Madrid 

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