Entradas

,

Cine. Iván Zulueta. 1979, Arrebato, una película de culto

image

Iván Zulueta nace en San Sebastián en 1943

Arrebato se rueda en 1979, cuando España es un hervidero de ideas, y la libertad casi recién estrenada, actua como una potente levadura, sobre la emergente y bisoña creación artística.

Madrid, vive unos momentos irrepetibles; Pedro Almodovar en el momento de la grabación de Arrebato trabaja en Telefonica y esta rodando Pepi  Luci Bom y Otras Chicas del Montón; en la película de Zulueta, Almodovar que es amigo de Iván, visita a menudo el set de rodaje, e incluso participa en el film de Zulueta, doblando a la actriz Helena Fernán-Gómez que, con las prisas de su contratación a última hora, no ha sido capaz de aprenderse el texto.

Iván Zulueta, reside en Madrid, y en ese momento, tiene 36 años.

image

Iván Zulueta con bigote, y William More en un momento del rodaje

En Arrebato, participan, Eusebio Poncela, William More, Cecilia Roth, Marta Fernandez, Helena Fernán-Gómez

image

Cecilia Roth y Eusebio Poncela, en una escena de la película

Iván Zulueta era hijo de una familia de la alta burguesía donostiarra, no en vano, su padre, abogado, proviene de una familia de industriales, que hicieron, su importante fortuna en Cuba dedicados, al negocio de los ingenios azucareros.

En 1960 estudia, decoración en  Madrid, tres años después, viajará a Nueva York donde se forma en Arte y pintura, a la vez que toma contacto con las vanguardias artísticas de la gran metrópoli, es allí en la gran urbe, donde conoce de primera mano el Pop Art. Después de un año, regresa a Madrid, ciudad, donde finalmente se matricula, en la Escuela Nacional de Cine.

En 1969 rueda su primer largometraje; Un, dos, tres, al escondite inglés, y es estrenada, en el Festival de cine de Cannes.

1970 rueda diferentes cortometrajes en super 8, y también participa como cámara en alguno de Almodóvar y, como ayudante de dirección, junto a  Jaime Chavarri y Ricardo Franco.

1976 participa en el Festival de Berlín con la película, Leo es pardo.

1979 Arrebato

Si no la han visto y son cinefilos, no pierdan más tiempo. Deben verla, mas necesitarán, atención, recogimiento, y ganas, (hacer del pase, algo especial), nada de móviles charla o visitas al frigorífico.

El rodaje desde el principio, estuvo lleno de dificultades, Jaime Chavarri, director de cine, y amigo de Zulueta, prestó su casa de campo, como escenario del film; se trataba, de una finca deliciosa, aunque de aspecto descuidado, y decadente, y allí, es donde Iván Zulueta recreó un mundo aparte. Casi todos los profesionales, que participaron, en el proyecto, consumían drogas, y una morfinómana y dulce, anarquía, reinaba en el ambiente, donde, babosamente rendijera, se coló mansamente en un ambiente; no exento de problemas, pues el consumo,  inevitablemente derivaba, frecuentemente en conflictos, como por ejemplo, cuando el equipo encargado del sonido, abandonó su tarea, en plena grabación a raíz de un agrio desacuerdo, así pues, el rodaje se alargó mucho y pasó, por problemas económicos; luego, finalmente terminada, la fascinante película, en su estreno, no fue aceptada por el gran público, y se convirtió, así, en un film maldito y de culto; pues, las vanguardias artísticas, percibieron su valor, inmediatamente.

La película, no fue a más en taquilla, entre otros motivos, porque permaneció muy poco en cartelera (dos semanas), aunque hay que reseñar, que los pocos días que se exhibió, las salas (por el efecto boca a boca), se encontraban llenas de un selecto público, vivamente interesado en verla…Y no les defraudó.

image

William More, vampirizado

Arrebato es un drama vampírico donde el protagonista, que rueda películas en súper 8, vive salvaje, y apartado de la sociedad, en una finca donde disfruta de su actividad, como realizador, así como, con el consumo de heroína; de repente le comienzan a ocurrir sucesos inexplicables, «Parece que la cámara lo está vampirizando». Todo es muy extraño ¿Qué le pasará al final?

image

William More, vampirizado

El director donostiarra, después de estrenada la película, abatido, y vacío, cree que no ha hecho un buen trabajo, y regresa a su casa de San Sebastián, decepcionado, agotado y enfermo; la heroína y los excesos, le están pasando factura; y se somete con urgencia, a una cura con Metadona, droga legal, de la que conscientemente, dependerá el resto de su vida…

“Metadona. Botecitos, de droga legal, con etiqueta…, y receta”

Después de Arrebato, Iván Zulueta, se dedicaria sobre todo al diseño de carteles de cine, para directores tan emblemáticos, como Almodovar, Garci, Buñuel etc; además de realizar obras de arte con polaroid, y pintura Pop Art.

Siempre el cine, los últimos años de su vida, prácticamente recluido voluntariamente, en su casona familiar, en San Sebastián, tuvo una pequeña cámara de video a mano, perfectamente dispuesta para grabar.

En relación con las drogas, acción, asunto, que en la película, adquiere un relevante protagonismo, nunca ocultó su consumo, del que lucidamente opinaba, que una persona adulta, debería poder decidir libremente sobre su uso. Ivan, siempre fue partidario de su total legalización.

Finalmente Iván Zulueta falleció, en San Sebastián, el 30 de diciembre de 2009, a los 66 años de edad, a causa de una insuficiencia respiratoria. En tan doloroso trance se encontraba residiendo, en la gran casa familiar, (convivía a solas con su madre), sobre la que en ese momento pesaba una orden de  embargo, y donde ellos se sentían amenazados, pendientes de desahucio, asunto este, que últimamente era lo único que quitaba el sueño, al genial director de cine.

Cine. Iván Zulueta. Arrebato. Película de culto. Películas. Drama Vampirico.

,

Cine. «Déjame entrar». Una deconstrucción vampirica. Tomás Bartolomé.

image

Cine. Película. Déjame entrar. 2008. Director. Tomas Alfredson. Suecia.
Es una película, reconocida y premiada, mas no lo suficiente, tal vez sea por ser una producción sueca alejada, de los proyectos mastodonticos de la industria U.S.A. La película está basada en una novela (2004), del escritor John Ajvide, que también es el guionista del Film.

No hay que confundir esta película con un remake USA del 2010, del mismo titulo, realizado poco después, y que realmente es una copia estadounidense para el mercado mundial, y que aunque no está mal, pierde algo y ese algo, resulta ser definitivo.

Déjame entrar, se sitúa en los años 80 en un suburbio de la ciudad de Estocolmo donde nuestros protagonistas son vecinos. Ella es una niña de pelo largo y negro ligeramente ondulado, él, un chico de 12 años rubio y delgado. Los dos se sienten solos.

image

La vampira «Eli» y su amigo.

VAMPIRICA HISTORIA DE AMOR 

Ella (Eli) es una vampira (con todo lo que esto conlleva) sólo sale por las noches, el sol y la luz, le son mortales, los cristales de las ventanas de su casa, están siempre tapados con cartones para que no entre luz. Eli, vive en su piso con un señor mayor, también vampiro y acuciado siempre, por la imperante necesidad de conseguir el líquido de color rojo y negro, que ambos tanto necesitan.

Eli tiene, doce años, doce eternos años; solo doce,  por muchos, de cansancio, y necesaria depredación. Eli la vampira parece un niña de 12 años, pero claro solo lo parece. ¡Lleva viviendo una eternidad! 

Él (Óscar) es, un chico de doce años, callado y doliente, acosado en el colegio, por un compañero matón y sus amigos; más tarde nuestro protagonista, se vengará.

Los dos coinciden circunstancialmente, en el portal de su bloque de viviendas, y se hacen amigos. Para Óscar, «Eli» la vampira, es diferente y misteriosa, además nunca tiene frío. Se enamoran; pero tristemente ella sabe, que es un amor imposible. Su cara refleja una enorme tristeza. (La interpratacion de Lina Leanderson «Eli»  debería haber sido premiada).

image

Foto. La película transita sostenid,  por un ambiente de calma, en el que suceden hechos terribles.

La fotografía contribuye a crear una calma tensa, en la que parece que no pasa nada, pero en la que pronto sucederá algo horrible, mientras tanto, rodeados de nieve, contrariamente, todo parece nítido, claro, blanco, puro, y luminoso.

image

Foto. Óscar y Eli en el pequeño parque de su barrio.

Destaca el tratamiento de la luz en los escenarios urbanos, solitarios y nocturnos, en que se desarrolla gran parte de la película; siempre con la luminosa y blanca nieve de telon de fondo.

Los efectos especiales también rayan a gran altura. En los ataques de los vampiros a sus víctimas, hay una escena muy impactante en la qué una mujer que ha sido anteriormente,  mordida por un vampiro, es atacada con fiereza demoniaca por sus propios, y mansos (hasta entonces), gatos, la acción se sitúa en  la sala de estar de su propia vivienda  y en presencia de su marido alcohólico, y un amigo… ¡En esta secuencia los efectos especiales son magistrales! «Son para no perdérselos; para guardarlos»

¿Quieren saber sí la historia de amor tiene un final feliz?…

Desde qué la vi cuando la estrenaron, no paro de recomendarla. Si no la has visto, te la estas perdiendo. «Déjame entrar» película sueca, de Tomas Alfredson.

Cine. «Déjame entrar». Una deconstrucción vampirica.  Tomás Bartolomé.

Películas. Critica Cine. Déjame Entrar. Cine. Vampiros. 

Cine. Critica. Maps to the Stars. «En cada mano que se tiende escribo tu nombre». Paul Eluard. Tomás Bartolomé.

image

MAPS TO THE STARS

Dirctor. David Cronenberg. Guionista, Bruce Wagner. Musica, Howad Shore. Duración 111 minutos.

Muy buena la Dirección y muy buenos el Guión y la Música.

REPARTO

Julianne Moore. (Premiada por esta película, como Mejor Actriz, en los Festivales de Cannes y Sitges 2014). John Cusac. Rober Pattinson. Evan Bird. Mía Vasikowska. Todas las interpretaciones están muy logradas, aunque destaca sobre todas la de Julianne Moore en una soberbia interpretación realizada desde las tripas.

Los Angeles, California. Limusinas, Lujo, Artistas Famosos; sofistificacion y miseria que se  dan la mano, que se funden bajo una nube de  tóxico polvo de estrellas.

Como una oración, como un mantra vértebra el film la cadencia poética de los versos de Paul Eluard (fue pareja de Gala Dalí).

Libertad
En la salud reencontrada
en el riesgo desaparecido
en la esperanza sin recuerdo
escribo tu nombre.

La madurez y la adolescencia  posan desnudas e indefensas arrinconadas hacia el desastre  por la oscura decadencia y el más sucio mercantilismo.

Maps to the Stars, nos muestra a una joven estrella de 13 años (Evan Bird) en cuarentena por un asunto de drogas y a una actriz madura (Julianne Moore)  hija de una actriz famosa ya fallecida, en los dos casos sus personajes están impregnados de sus trágicos pasados familiares que se deshacen quemando sus desnudos hombros como un derretido y caliente  plomo gris pesado.

image       image

Evan Bird                                                                                            Julianne Moore.

Ambos poseen unas casas carísimas. El chaval vive en la vivienda familiar (minimalismo y decoración al limite), su madre es una madre sobreprotectora,  su padre (John Cusac), una estrella mediática de la TV y un afamado y exitoso escritor de best seller con su mezcla de filosofía, masajes, y consejos de autoayuda, que no sabe ayudarse a él y ni mucho menos a su familia. Vive sumido en un incesto asumido y es un gran narcisista.

image

John Cusac

Tambien tenemos en escena a una joven y frágil muchacha (Mía Wasikowska) desfigurada por un incendio que ella misma provocó y que desesperadamente busca redención y solo recibe dinero.

En la carne que me es dada
en la frente de mis amigos
en cada mano que se tiende
escribo tu nombre.

No podía  faltar el joven guapo y ambicioso, que mientras llega el éxito espera conduciendo coches de lujo como empleado (Robert Pattinson), escribiendo guiones,  y haciendo pequeños papeles de figurante. Tiene la belleza,  y en este caso es su moneda.

image          image

Robert Pattinson.                                 Mia Wasikowska

La película es una dura crítica; nos muestra de una manera muy descarnada la otra realidad, la  exenta de oropel y glamour.

Unos personajes que sufren en sus vidas y en las de sus familias el látigo despiadado de la competencia  y la tiranía del poder establecido que  dicta estupidas leyes basandose en criterios alejados de la competencia artística.

La sumisión y el vicio decadente gobierna en los despachos.

En los nidos en las emboscadas
en el eco de mi infancia
escribo tu nombre.

Las victimas se convierten en verdugos y como seres llenos de dolor y sufrimiento, su grito solo es acallado y hundido a base de drogas ilegales y de farmacia, para ello, existen las recetas o el «camello».

Pero la vida se les va de las manos y son egoístas y soberbios… El ambiente no les ayuda.

Un chaval de 13 años, -Evan Bird- actor con problemas de adulto y «enganchado» a las drogas y la actriz -Julianne Moore- la mujer madura (víctima de  Incesto) que lucha desesperadamente por conseguir un papel para ella crucial.

La actriz quiere dar vida en la película por la que lucha al mismo personaje  que interpretó su madre en los años 60, ella cree que servirá como exorcismo a una encrucijada sórdida, dolorosa y de difícil solución en la que se ha convertido su vida.

Maps to the Stars. Una desnudez vulgar y desquiciada atizada de excesos deliberados que acabará con el más débil.

DECADENCIA Y SOLEDAD

El lenguaje descarnado y cruel de unas adolescentes que consideran viejo a un chico de 20 años.

Los chismes mas groseros y la belleza mas vacua aderezada de lujo sofisticado bajo corrientes de abuso, soledad y dominación.

Cine. Critica. Maps to the Stars. «En cada mano que se tiende escribo tu nombre». Paul Eluard.

Cine. Critica. Maps to the Stars. Películas. Cine. Cine Critica. Paul Eluart. Libertad. Tomás Bartolomé.

Cine. Critica. Calvary. «Creo que el perdón está infravalorado». La venganza contra un hombre bueno y valiente. Tomás Bartolomé.

image

CALVARY

Director y Guionista .John Michael McDonagh.

Duracion. 100 minutos. Reparto. Brendan Gleeson. Padre James Lavelle

Kelly Reilly. Fiona. Chris O´Dowd. Jack Brennan. Aidan Gillen. Frank Harte

CALVARY. LA VENGANZA CONTRA UN HOMBRE BUENO Y VALIENTE.
En primerisimo plano el rostro del Padre James (Brendan Gleeson) Escucha en confesión a un feligrés que habiendo sido víctima de abusos sexuales por un sacerdote en su niñez, le trasmite la intención, de no sólo no redimirse, sino de vengarse en él. Estamos en domingo; el siguiente, amenaza con matarle, «Padre le doy siete días para que arregle sus asuntos aquí en la tierra, luego le mataré».
El Padre James, no sabe quien es su amenazante, puede ser cualquiera, hay mas de un buen candidato en aquella sociedad racista podrida y enferma; además está el secreto de confesión.
La cuenta atrás a comenzado y ya no se puede parar.
El Padre James y  su anónimo parroquiano, se verán las caras en la playa 7 días despues, en lo que se presume un amañado duelo al sol con el mar de la bella Eyre como rumoroso telón de fondo.
image
Foto. Brendan Glesson, en un momento del Film.
La película es una dura crítica a la iglesia católica, y no solo en el apartado de los abusos sexuales. El Padre James, un hombre bueno, será el encargado de redimir al estamento eclesiástico; pero claro él no es un cura al uso (antes de cocinero, fue fraile), antes de ordenarse sacerdote estuvo casado y tiene una hija que no quiere vivir.
Todo esto transcurre en una localidad pequeña (pueblo pequeño, infierno grande) de la costa irlandesa, en la que un sacerdote sencillo y campechano convive con una colección de personajes atormentados y decadentes que no le perdonan; «La gente odia su sencillez y se defiende de ella».
image
¡Un drama!. De comedia, solo tiene algún momento de ingenioso humor negro.
En Calvary, se cuestiona la fé, asimismo se plantea el papel de la Iglesia en la sociedad y su implicación en las causas sociales.
Se reflexiona sobre el perdón, «Creo que el perdón está infravalorado», nos dice el Padre James.
La iglesia y sus representantes (aunque el Padre James no se considere así), es percibida por la sociedad como una amenaza en cuanto a abusos sexuales a menores y en la película podemos ver una escena durísima, en la que un padre alterado y neurótico  rescata a su hijo cuando este, está en la calle y circunstancialmente se encuentra conversando con el sacerdote.
A DESTACAR.
La interpretación del Padre James por el actor Brendan Gleeson; solo por esto la película ya merece la pena, Brendan Gleeson, realiza un trabajo magistral, aguanta los primeros planos con una naturalidad que engancha y no puedes de dejar de mirar la pantalla, no os lo perdáis.
Los actores secundarios realizan una labor correcta y hacen sus personajes creibles y llenos de matices y trasfondo.
La fotografía excelente, respira arte en cada plano; algunos fotogramas son valiosas obras de arte.
La música es adecuada y esta  bien engarzada con la imagen.
El montaje tal vez podría ser mejorado.
El guión del que es autor el director de la película es muy bueno y esta balanceado en la orientación y el peso en que el autor dibuja la dirección de lo que es  importante, y qué secundario; consiguiendo dejar en un plano diferenciado el drama de la amenaza de muerte, y las tambien importantes subtramas latentes.
Calvary. calvario, sacrifico y redención en la figura del Padre James. una película que hay que ver.
Cine. Critica. Calvary. La venganza contra un hombre bueno y valiente. Tomás Bartolomé.
 

Cine. «La Isla Mínima». Secuestros, y los cadaveres de dos chicas salvajemente mutiladas. Una buena película

image

LA ISLA MÍNIMA 2014. Goya 2015, Mejor Película.

Ha sido la película ganadora en los premios Goya 2015.

Premiada con diez estatuillas:

Mejor Pelicula, mejor director, mejor actor, mejor actriz revelación, mejor guión original, mejor montaje, mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor diseño de vestuario, mejor música original.

DIRECCIÓN ALBERTO RODRÍGUEZ

Director sevillano que cumplia 44 años el 23 de Julio de 2015.

image

Alberto Rodriguez. Premio Goya 2015. Mejor Director.

En su bagaje profesional 6 películas, esta es la sexta, la anterior del año 2012, fue la aclamada «Grupo 7». Alberto Rodriguez también participa en el guión junto con Ramón Cobos, con el que ya trabajó en anteriores largometrajes. En 2005 rodó Siete Virgenes.

ACTORES PROTAGONISTAS:

JAVIER GUTIERREZ  (el «Satur» de Aguila roja), Luanco, Asturias 1971. Premio concha de plata en el Festival de Cine de San Sebastián 2014.

RAÚL AREVALO (También la lluvia, Che: Guerrilla, o Primos). Mostoles, Madrid, 1979.

ACTORES DE REPARTO:

image

Nerea Barrros. Premio Goya 2015. Actriz Revelación.

Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesus Castro, Manuel Solo (hace de fotógrafo y creo que, realiza la mejor interpretación de los actores secundarios), Jesus Carroza, Cecilia Villanueva, Salvador Reina, Juan Carlos Villanueva.

FOTOGAFIA. Alex Catalán. Premiado en el reciente festival de cine de San Sebastián. Goya 2015.

MONTAJE. José.M.G. Moyano. Premio Goya 2015.

GUIÓN. Aberto Rodríguez. Rafael Cobos. Premio Goya 2015, Mejor Guión Original.

DURACIÓN. 105 minutos.

TRAMA ARGUMENTAL:

Dos policías expedientados, ideológicamente opuestos, y que no tienen mucho en común, son destinados a la provincia de Sevilla, en pleno mes de agosto de 1980, a resolver la desaparición de dos chicas adolescentes. Hace calor, mucho calor, en esta pequeña poblacion de las Marismas del Guadalquivir.

Desde el primer momento la película me trasladó a esa España profunda de crímenes, como los de Puerto Urraco, o los de El Cortijo de los Galindos (todavía sin resolver).

Muy cuidada, en aspectos como en el de las localizaciones, la fotografía, y la dirección artística, algunos planos del film, son sencillamente sublimes, respiran arte. También son muy interesantes, la recreación histórica y,  los encuadres cenitales, con la cámara situada a gran altura, que nos muestra los canales de regadío, y los campos de arroz, en unas panorámicas impresionantes y llenas de sutilidad y belleza.

image

Alberto Rodríguez y  Javier Gutiérrez en un momento del rodaje.

Marismas del bajo Guadalquivir en las que existen tres islas, La Mayor, La Menor y La Mínima.

Caminos de polvo, barro, lluvias torrenciales. Tormentas del mes de Agosto, que impiden a los jornaleros comenzar la cosecha del arroz. Ambiente muy caldeado, por la lucha obrera contra un juez, más preocupado por el conflicto social que plantean los trabajadores rurales, que por la resolución de los asesinatos en serie, que el pueblo parece querer solapar, en una comunidad podrida, enferma y esclava, en la que a los jóvenes no les queda otra esperanza, que escapar…, y aquí, radica el drama.

Persecuciones escalofriantes que dan miedo, carreras por caminos de polvorienta tierra en la noche oscura, solo iluminada, con la luz de los faros de los automóviles Citroën Dyane 6  y Chrysler 150.

Suspense y sustos bajo una lluvia torrencial de tormenta. España rancia de pantalon de pana, peonada y jornalero a finales del mes de Agosto de 1980, secuestros y la aparición de los cadaveres de chicas jóvenes salvajemente mutiladas. Muertes en serie, y  misterio. Los actores de reparto, unos están bien, y otros no tanto. Los actores protagonistas están en general bien. El mejor papel, el mas agradecido lo tiene JAVIER GUTIÉRREZ, que encarna a un policía franquista, gravemente enfermo y homicida.

image

Javier Gutirrez. Premio Goya 2015. Mejor Actor.

El papel más dificil le corresponde a RAÚL ARÉVALO, que da vida a un policía democrata. Es un papel mas complicado, porque tiene algo menos de protagonismo, y por lo mismo, menos texto y mas lenguaje gestual. Los dos papeles que interpretan tienen miga (son exigentes) interpretativa, la cadencia con que lo resuelven, es para  grandes actores. La prueba a la que los somete el director en esta película, es de una gran altura profesional, y por lo tanto, difícil de alcanzar en algunos momentos. Magnifica y exigente dirección de actores.

Uno de los aspectos mas interesantes, es la trama que corresponde a la investigación, ya que nos deja ver de cerca, la urdimbre de la misma. Y nos muestra, como todo tiene un precio, dentro y fuera de la ley. Los agentes de policía  se ven obligados a navegar frecuentemente en las procelosas  aguas, de dos orillas, las de la ley y las del delito, aguas, que a menudo confluyen y se mezclan, que no son ajenas, como nunca son ajenas, las lascas de pizarra, que se superponen delicadamente, en claras laminas diferenciadas, pero también comunicadas por su porosidad, cuando empapadas por la lluvia, rezuman humedad.

image

Alex Catalán. Premio Goya 2015. Mejor Fotogafía.

La lluvias torrenciales  de las tormentas del mes de agosto en Sevilla, añaden un cierto encanto poético a las escenas de acción, que trufan la película de aire fresco, y frenética inquietud; son como una ventana abierta por la que circula, una viciada corriente de tensión y peligro. No  se ovida Alberto Rodríguez de la acción con mayusculas, en un film contenido, sino que además, la borda y nos deleita con ella, en unas magistrales secuencias difíciles de olvidar, y que trascienden.

Lo que vemos en la pantalla nos habla de exigencia, paciencia, sacrificio, trabajo, ambición y sobre todo un inmenso amor al cine.

En definitiva, una buena narrativa, que al final se vuelve un poco confusa, por lo que el espectador tiene que pararse a pensar como acaba la historia, no os preocupéis si esto, os sucede pues no  seréis lo únicos, solo, estar atentos al final y todo saldrá rodado…

Una buena película que merece la pena ver.

Cine. «La Isla Mínima» Secuestros, y los cadaveres de dos chicas salvajemente mutiladas. Una buena película

Cine. La Isla Mínima. Ganadora de los Premios Goya 2015. Tomás Bartolomé.

Cine. Critica. El Niño. Premios Goya 2015. Tomás Bartolomé.

image

Una de las películas favoritas para arrasar en los Premios Goya que se celebrarán el próximo dia siete (Sábado) este año se ha cambiado de dia, anteriormente era en Domingo. «Se le quiere dar mas realce»

El presentador de la gala será el actor Dani Rovira (Siete apellidos vascos) el año pasado lo presentó Manel Fuentes con índices muy bajos de audiencia.

Antonio Banderas recibirá un premio Goya de Honor, es el actor mas joven en recibirlo (54 años) el malagueño ha declarado que piensa pasar mas tiempo en España, veremos lo que nos cuenta en su discurso, al actor le gusta escribir y seguro que ha preparado algo.

EL NIÑO. 16 Nominaciones a los Premios Goya, incluyendo Mejor Pelicula.

DIRECCION. Daniel Monzón. GUIÓN. Daniel Monzon y Jorge Gerricaechevarria. DURACION. 135 minutos.

LOS POLICÍAS.

image

Foto. Luis Tosar (Jesus)

Jesus (Luis Tosar) y Eva (Bárbara Lennie) son dos polícias que investigan la utilización de los cauces del tráfico de haschis por un cartel inglés de cocaina para introducír su mercancía por la ruta del estrecho de Gibraltar.

Forman equipo con otros policias. Eduard Fernández (Sergio) y Sergi López (Vicente), los dos son de lo mejor de la película, quiero hacer una mención especial para Juan Montilla (Manolo) un secundario de lujo que raya a gran altura interpretando a un veterano oficial de policía (piloto de helicoptero) está sublime, bueno, «Mítico», como diría Monzon que siempre utiliza este adjetivo para dar de paso la escena cuando la toma ha sido buena.

LOS TRAFICANTES.

Jesus  Castro (El Niño),  junto con Jesus Carroza (El Compi), premio Goya Actor Revelación 2005 por 7 Virgenes, junto al «Bola» y dirigida por Alberto Rodríguez.

El Niño y El Compi, son dos chavales de veintitantos años uno, repara lanchas motoras, otro trabaja en la almadraba en la pesca del atún  «El Compi».

image

Foto. El Compi, Raschid, y El Niño.

El Niño tiene una moto acuática y es un buen piloto que no tiene miedo a nada, los dos son buenos chavales, pero necesitan dinero para escapar de sus precarias vidas, y ven en el narcotrafico un medio factible de progreso, en su inocencia no lo ven  tan dificil… ¡pronto llegaran los problemas!.

Los dos actores realizan buenas  interpretaciones aunque me quedo con la de Jesus Carroza (El Compi); también me pareció muy buena la interpretación de Moussa Maaskri (Raschid) en el papel de socio necesario y amigo, y la de Ian MacShame en el papel de capo del narcotrafico.

ALGO MAS A DESTACAR.

Algunas escenas de persecución marina; la potente motora pilotada por «El Niño«, y el helicóptero de la policía, mano a mano sobre las grises aguas fronterizas, (los dobles que pilotan la aeronave, realmente son policías en activo que realizan estas mismas misiones de vigilancia  en el estrecho) son escenas arriesgadas, en una de ellas se encuentra tal vez la mejor secuencia de acción de toda la película… ¡prestar atención!.

image

Foto. Persecución marina.

La siempre impactante Roca del Peñon de Gibraltar (Frontera sur de Europa a solo 14 Kms de África)  como una imagen altamente iconica que está presente a lo largo de todo el film.

La belleza de algunas de sus imágenes.

LO PEOR.

No puedo por menos que comparar las persecuciones de automóviles de esta película con las de La Isla Mínima o Relatos Salvajes, las de El Niño en este aspecto tan importante, salen perdiendo claramente.

En la pelicula hay muchos personajes y esto no es malo sin embargo esto no debe de ser obice para tratar alguno de ellos con mayor profundidad, en algunos casos no se aprovechan las sinergias para sumar.

El montaje. Falla en alguna secuencia clave.

Superficialidad. Algunos temas de la trama deberían quedar mejor cerrados; fallos de guión.

La película es en muchos aspectos interesante y aunque no es un gran film, es entretenida y merece la pena.

Cine. Critica. El Niño. Premios Goya 2015. Tomás Bartolomé.

 

 

 

Cine. Corazones de acero, (Fury). Una (película) de tanques. Tomás Bartolomé.

image

Luz de Invierno, campos encharcados en la Alemania Nazi de Abril en 1945, desde que entré en la sala de cine no pude apartar la mirada de las imagenes, y el dramatismo de la tragedia que contemplaban mis ojos, me atrapó.

Empezaré destacando lo peor (El guión)

ESCENA FINAL INVEROSÍMIL.

El guión tiene fallos y uno que es importante pues se sitúa al final del film; no está bien resuelto y desafía lo que en un caso real sería impensable en cuanto a resolución de un problema, (tactica militar a emplear) esto quita puntos al resto de la película.

Las escenas de acción están muy conseguidas; retratan con realismo y mórbida crudeza la masacre en un conflicto bélico. También destacan en la película la Fotografía de Román Vasyanov, (en grises), el Sonido (muy logrado e impactante)  la Banda Sonora, de Steven Price (óscar por Gravity)  y la interpretación de los actores; el casting está muy logrado, los efectos especiales son buenos (nos muestran con desnuda crudeza las atrocidades a las que son sometidos los hombres en la guerra).

CORAZONES DE ACERO (FURY).

Director. David Ayer. Duración 128 minutos.

Cinco militares hacen la guerra en un Tanque «Sherman», mas que camaradas, son ya viejos amigos que han visto muchos combates rápidos y contundentes contra los Tanques «Tiger I» que aunque más lentos son casi indestructibles; debido a su blindaje causan enormes bajas. Se necesitan muchos Tanques americanos para acabar con uno de ellos. Hay que buscarles la vueltas para meterles «un pepino» en su punto más débil.

image

¿PUEDE HABER BELLEZA EN LA GUERRA?

Mi respuesta es, puede haberla, pero es totalmente prescindible y no la echaría de menos si terminara para siempre.

Si te gusta Brad Pitt…  adelante, si te gustan las películas de guerra, no debes perdértela, si ademas te gustan los tanques…, ¡tienes que verla!.

CON EL TIEMPO MADURAN LAS UVAS.

Brad Pitt. Hace un muy buen papel; como el buen vino va mejorando con los años, y con el tiempo se ha convertido en un actor que pasará a la historia como un clásico; hoy en día se ha ganado un puesto entre los grandes.

image

 Brad Pitt en el papel del veterano sargento «Wardaddy» (papá guerra)

Mientras los Alemanes se baten en retirada cuatro tanques del ejército americano comandados por el sargento «Wardaddy» apoyan a la tropas de infantería; el sargento es un viejo perro de la guerra «Empecé matando alemanes en África, ahora los mato en Alemania».

Destinado a ayudante de conductor aparece un oficinista joven que no se sabe como ha ido a parar allí. La vida de los demás componentes de la patrulla está en peligro por la inexperiencia del recién llegado que tendrá que aprender pronto para no poner en riesgo a sus camaradas. El aprendizaje será duro.

image

Logan Lerman en el papel del  joven recluta.

VOMITARE HASTA LA BILIS SOBRE EL BARRO Y LA SANGRE

En una de las escenas mas crudas de la película podremos escuchar este diálogo; uno de los veteranos habla con el novato y le dice…

– Espera a verlo.

– A ver que?

– Lo que un hombre puede hacerle a otro.

Cine. Corazones de acero, (Fury). Una (película) de tanques. Tomás Bartolomé.

 

 

Cine. Critica. Magia a la luz de la luna. Cuando el eufemismo «Una obra menor de Woody Allen» se hace realidad.

image

Magia a la luz de la luna.

Escrita y dirigida por Woody Allen.

El mago chino Wei Ling es el ciudadano inglés  Stanley Crawford (Colin Firth) él será, el encargado de desenmascarar a la joven vidente Sophie Baker (Emma Stone). El mago chino se hace pasar por un hombre de negocios. La historia transcurre en la Costa Azul.

Empezaré  diciendo que Woody Allen es uno de mis directores de cine favoritos.
image
Woody Allen, no debía de hacer películas tan mediocres a sus casi 80 años, no lo necesita.
Fui al cine, pensando, si esta vez sería una de las buenas, o una de las malas películas que el director neoyorquino cuela de vez en cuando, y resultó ser de las peores; la verdad es que hay poco que se salva, los pobres actores están vendidos; detrás de un guión flojo, y un desarrollo de personajes deficiente; hacen lo que pueden, pero la película naufraga estrepitosamente; no suma ni en diálogos, ni en fotografía (a ratos está bien, destaca la iluminación), ni en ambientación, ni en decoración, ni en localizaciones, y ni tan siquiera en recreación histórica (el film se sitúa en 1928).
La ambientación se reduce a unos automóviles de época, el vestuario,  y escasos interiores, en los que no destaca nada de la decoración; todo muy insulso, facilon, y sin complicaciones.
image
En una película tan plana solo destaca algún secundario y una interpretación correcta de los actores protagonistas. El desarrollo de los personajes es muy tacaño,  y la historia de amor amorfa, y sin pulsiones.
image
La banda sonora de la película, mezcla música clásica y jazz, pero tampoco es nada significativa, y si muy manida y ya sabida. Una de las bazas del cine de Woody Allen siempre fueron los diálogos, pero esta vez son pobres y poco esforzados, es como una letanía ya empleada; interesante, pero ya oída y superada; ¿porqué volver a lo mismo, sino es para hacerlo mejor?.
La próxima vez lo pensaré mejor; cuando Woody Allen estrene algo… ¡Tal vez no vaya al cine!
Cine. Critica. Magia a la luz de la luna. Cuando el eufemismo «Una obra menor de Woody Allen» se convierte en realidad. Tomás Bartolomé.
Cine. Woody Allen. Peliculas. A la luz de la luna. Critica Cine.

 

 

 

CINE CRITICA. SE DEBE DE VER APROPOSITO DE LLEWYN DAVIS. TOMÁS BARTOLOMÉ.

image

A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS.

 SI TE INTERESA UN CINE DE AUTOR, ES MUY COHEN;  SU DISCURSO PLASTICO Y NARRATIVO, ES MUY PERSONAL, SIN CONCESIONES.

BASICAMENTE,  ES LA HISTORIA DE UN PERDEDOR, Y POR LO TANTO ES DURA, NUESTRO PROTAGONISTA,  LUCHA Y SUFRE (SOLEDAD, INCOMPRENSION,  FRIO, NECESIDADES).

¿SE RENDIRA LLEWYN?

EN LA PELICULA, SE MUESTRAN, DE UNA MANERA MUY DESCARNADA, LOS ENTRESIJOS DE LA INDUSTRIA MUSICAL EN LOS AÑOS 60,  EN LA QUE TODAVÍA SUBSISTE UNA ESCUELA ANTIGUA (MUY BIEN REFLEJADA) A LA QUE YA LE QUEDA POCO TIEMPO. PRONTO, LOS TIEMPOS IRAN CAMBIANDO, COMO NOS CANTA DYLAN.

MAGNIFICAS LOCALIZACIONES Y SECUNDARIOS, QUE APORTAN MUCHO A LA HISTORIA. TAL VEZ,  SOBREN NUMEROS MUSICALES,  PERO ALGUNOS, SON REALMENTE DELICIOSOS. CONTIENE CHISPAZOS DE SURREALISMO. Y EN ESTADO DE PURA EXCELENCIA, LA ESCENA DE LA DETENCION POR LA POLICIA, DE UN CONDUCTOR CON EL QUE VIAJA LLEWYN. AUN CON TODO,  LE FALTA ALGO PARA SER REDONDA, PERO…

MERECE LA PENA ,YO IRÍA A VERLA.

CINE CRITICA. SE DEBE DE VER A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS. TOMÁS BARTOLOMÉ.