Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana. 2013. Tomás Bartolomé
Large house in the countryside, and foreground nearby city.
Óil. Canvas. Óleo. Lienzo.
Este cuadro, no me pertenece. La sobria y austera, Castilla, viajó al paraíso en la tierra. Se encuentra, en un salón…, de arte; acompaña, a una estupenda familia. El mar está muy cerca, se nota. En las Islas Canarias, en el agua salada, tiene su sitio ahora…, un segundo puerto.
«La ciudad avanza y cerca…
una gran casa vieja;
en un viejo campo,
un viejo y olvidado,
pueblo Castellano».
Tomás Bartolomé
«The city moves and close… a large old house ; in an old field , an old and forgotten, people of Castilla»
Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana. Large house in the countryside, and foreground City. Tomás Bartolomé. Óleo sobre lienzo.
https://i0.wp.com/www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/2014/08/image45.jpg?fit=778%2C450&ssl=1450778Tomás Bartoloméhttps://www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/logo-300x300.jpgTomás Bartolomé2024-03-12 12:43:102024-03-12 13:43:46Arte. Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana
Fiódor Dostoievski. Moscú, 11 de noviembre de 1821 – San Petersburgo, 9 de febrero de 1881.
A los dieciocho años ya era huérfano de padre y madre; un padre autoritario que ejercía su profesión de médico, en un hospital para pobres en la capital moscovita. Su madre, había fallecído años antes (1837) de tuberculosis, fue entonces cuando el padre enfureció, y con el ceño fruncido, se dedicó insaciable, a beber demasiado, por lo que, muchas veces, nuestro entonces joven escritor, deseó su muerte.
Fiódor Dostoievski, es admitido en la Escuela de Ingenieros de San Petersburgo, donde cursa estudios militares con su hermano Mijail; nuestro Fiódor finalmente ascendería al rango de Alférez.
TRABAJO, EPILEPSIA Y EXTASIS
La epilepsia que padeció toda su vida, le provocaba unos momentos de extasis previos a la crisis, que el escritor con una fuerza colosal, aprovechaba para trabajar incansablemente.
EJERCITO
Ya ascendido a subteniente, fue destinado a la Dirección General de Ingeniería de San Petesburgo. En 1945 dejaria el ejército, para ser escritor. La novela «Pobres Gentes», le proporciona un temprano éxito a los 24 años, mas las siguientes no tuvieron tanto reconocimento, y sus crisis epilépticas e importantes deudas de juego, le sumergen profundamente en el oscuro pozo de la depresión.
POLTICA Y CONDENA A MUERTE
1849, es detenido y encarcelado en la fortaleza de San Pedro y San Pablo. Rápidamente es condenado a muerte, acusado de la preparación de un atentado, contra el Zar Nicolás I. La pena capital, fue finalmente conmutada por cinco años de trabajos forzados en Siberia, donde vivío en condiciones extremas de suciedad y miseria. En 1854 es felizmente liberado, posteriormente, se reincorporó como simple soldado raso en el ejército, y fue inmediatamente destinado a Kazajistán.
BODA
1857, se casa con la viuda de un amigo, María Dmítrievna Isáyeva, en Siberia. La boda se celebró en febrero. Ese mismo año, el zar Alejandro II decretó una amnistía que benefició a Dostoievski, quien recuperó su título nobiliario, y obtuvo permiso para continuar publicando sus obras. Dostoievski, había tenido un pasado nihilista por el que fue condenado, pero en ese momento, renegaba de sus primeras ideas, y se pasaba al catolicismo.
Detalle retrato de Fíodor Dostoievsky. Vasily Perov
Fiódor Mijáilovich Dostoievski, una vez más, abandona el ejército, aduciendo problemas de salud, asma, y epilepsia; y en los años 1862/3, se dedica a viajar por Europa, donde visita, París, Londres, Ginebra, Berlín, Turín, Florencia, Viena; en estos viajes, el ya antiguo vicio del juego, copó de nuevo, su mente enfebrecida y fue, un compulsivo cliente habitual, de los lujosos casinos europeos.
CULPA, CASINOS Y JUEGO
El juego, las mujeres, y el vozka, mezclados en grandes cantidades, no son buenos compañeros y Fiódor Dostoievski perdió, perdió…, y perdió. También en esta loca época de vicio y confusión, Dostoievski vivió ardientes aventuras amorosas. Una de ellas, le dejaría marcado, se trata de la relación que entabló, con una joven estudiante de ideas muy progresistas, de la que cayó rendidamente enamorado, pero que al final no llegaría a buen puerto. En 1863 regresa a casa, trastornado y sin dinero. 1864, muere su esposa María Dmítrievna, este año también fallecería, uno de sus seis hermanos, que deja mujer y cuatro hijos.
DEUDAS
Hundido, lleno de deudas, con la familia de su hermano a la que mantener, Dostoievski se hunde, cae, cae, cae… Pero ¿hasta cuando? La depresión aparece de nuevo en su vida. El poco dinero en efectivo que le queda, se lo juega en la sima siempre colorida de los casinos…, y pierde. Huye a el extranjero donde juega a la ruleta y se reencuentra con una estudiante que el pasado le dejaría perdidamente enamorado, pero ella, nuevamente se niega a ser su esposa.
CRIMEN Y CASTIGO
1865. Crimen y castigo. Fuertemente endeudado, necesitado, se pone a trabajar denodadamente, es tanto el trabajo que desarrolla, que se ve obligado a contratar a una mecanógrafa -Anna-, mientras tanto, ahogado de deudas como está, los editores se aprovechan y compran los derechos de sus obras, por muy poco dinero.
EL JUGADOR
Él está escribiendo, El jugador, una novela autobiográfica en la que narra el sufrimiento que provoca el juego, una vieja, y conocida pasión que le domina. Será una de sus obras más logradas y en ella, cuenta de una manera cruda e intima, su sufrimiento y culpa.
BODA
Finalmente se casó con Anna Snítkina su secretaria en 1867.
1868, nace su primera hija, pero fallece poco después, un mazazo más para un hombre que ya ha sufrido mucho. Cuando ocurre este triste suceso, él, se encontraba residiendo con su mujer en Ginebra, huyendo de los acreedores, después ambos viajarían a Italia: mientras viven muy modestamente, de los derechos de autor que generan algunas de sus obras, (las, que aún no se encuentran embargadas).
1871, después de cuatro años en el extranjero, la pareja decide regresar a su patria y pone rumbo a San Petersburgo, Anna se encuentraba embarazada, residen en Stáraya Rusa. Llenos de deudas se establecen en esta pequeña ciudad a 250 kms de San Petersburgo. Regresan a San Petersburgo en 1875, fecha en que Anna se encontraba embarazada de su cuarto hijo, que moriría poco después. La pareja de nuevo, decide regresar a Stáraya Rusa.
LOS HERMANOS KARAMAZOV
1878. Dostoievski comienza a escribir Los hermanos Karamazov. En 1880 termina la novela.
Descansa eternamente, en su casa de San Petersburgo lugar donde finalmente fallece a causa, de una hemorragia pulmonar en 1881.
Fotos. Retrato de Fiódor Dostoievski. 1872. Vasily Perov.
Fiódor Dostoievski. Culpa, casinos, y juego. No va más para un gran escritor.
https://i0.wp.com/www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/2016/03/image.jpg?fit=300%2C388&ssl=1388300Tomás Bartoloméhttps://www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/logo-300x300.jpgTomás Bartolomé2024-02-27 12:57:472024-02-27 13:57:47Dostoievski. Culpa, casinos, y juego. No va más
PIERRE AUGUSTE RENOIR. 1841 LIMOGES. 1919 DOMAINE DES COLETTES.
Renoir es el sexto de siete hermanos, su familia es, en origen, humilde; su padre sastre, su madre costurera, se trasladan a París en busca de estabilidad profesional, cuando Auguste tiene solo 4 años. Muy pronto, el Renoir niño, empieza a pintar las maltratadas paredes del sencillo y agitado hogar, con trozos de negro carbón…
Su vocacion es tan pura y clara como un límpido y frío brillo de adiamantada belleza
1862 RENOIR ingresa en la Escuela de Bellas Artes. Comienza así una etapa adulta no exenta de riesgo y vocación, y también, de dura pobreza, en la que el artista vive de prestado en casa de amigos de la talla, de Bacille, Sisley, o Monet. Los 4 pintan en ocasiones juntos, por los alrededores de París.
Para Renoir el «Louvre» es como su casa y Delacroix su maestro
1870 COMIENZA LA GUERRA FRANCO PRUSIANA
Renoir es reclutado y destinado a caballería. En la brutal contienda muere su querido amigo Bacille. Sangrienta y triste hasta la nausea, es la oscura hiel, que se se ceba en Europa, Auguste Renoír resulta muy afectado por la pérdida del pobre Bacille. Ya licenciado, Renoir se traslada a vivir a Montmartre en 1873/84. En este barrio de la bohemia parisina, el pintor sería muy feliz, por primera vez se siente de algún lugar, y lo más importante de todo, conoce a la que sería su gran amor Aline.
A ORILLAS DEL SENA
En una caseta entre cañas y varetas, a orillas del Río Sena los parisinos huyen del calor de la gran metrópoly para beber, comer, y darse un refrescante baño en tan míticas aguas. El río en verano alegra la vida a los vecinos de la gran urbe capitalina. La que se convertiría finalmente en esposa del pintor, Alíne Charigot, posa para el artista en muchas ocasiones, pero ahora nos fijaremos en una de sus pinturas más emblemáticas…
«EL ALMUERZO DE LOS REMEROS». ÓLEO (1881)
En primer plano a la izquierda del cuadro, sentada, se encuentra Aline ¡tan jóven!, con su sombrero floreado y haciéndole mimitos a un caniche pequinés.
EN EL ALMUERZO DE LOS REMEROS. Aline tiene 22 años, Renoir, 40. Se casaron 9 años más tarde en París, corría el año 1890. Tuvieron 3 hijos.
GUSTAVE RENOIR Y “ALINE” CHARIGOT
Se conocieron en 1880, eran vecinos, Aline oficiaba de costurera, al igual que su madre. Era una guapa modistilla que paseaba su gracia femenina por el barrio de Montmartre; en esas mismas calles de París de las que era vecino Auguste Renoir. Pronto surgió entre ellos una fuerte atracción. Fue como una luminosa y brillante descarga eléctrica. Además de en su modelo, pronto Aline, se convirtió en su enamorada musa y en fuente continua de inspiración. La década de los 80 fué muy importante para RENOIR (ahora padre); pues significó una cierta estabilidad económica y le salvó a él y a su familia de morir en la más absoluta indigencia.
RENOIR ÉXITO Y RECONOCIMIENTO
El pintor, por fin, empieza a recibir encargos regularmente; en 1900 logra el éxito con rotundidad, es internacionalmente reconocido y recibe premios y homenajes.
DESENLACE
Después de una vida en la que compartieron amor y éxito, llegó otra en la que el sufrimiento se instaló en las vidas de Aline y Gustave…
LA GRAN CARNICERÍA. (1914), comienza la Primera Guerra Mundial.
Dos de los tres hijos de Aline y Renoir, son llevados al matadero, a aquella enorme trituradora de carne humana, (y animal) fruto de la sinrazón que fue lo que se conoce como La Gran Guerra. Resultan los dos gravemente heridos.Encontrándose Aline visitándolos, fallece (1915) a causa del agotamiento, y la diabetes que padece desde hace mucho tiempo, y que ahora se agrava con tanto dolor. Muere Aline tres años antes que Renoir.
Renoir es considerado un pintor impresionista, y por supuesto uno de los más importantes de la historia del arte.
*La primera exposición impresionista, se celebró en Paris el año 1874 y resultó, un rotundo fracaso con ácidas y descalificantes críticas. Participaron en este histórico evento 29 artistas con 165 obras».
Renoir, falleció (1919), de una pulmonía a los 78 años.
Arte. Renoir. Aline, su gran amor, mujer modelo, mujer esposa.
Arte. Auguste Renoir. Renoir. Pintura. El Almuerzo de los Remeros. Aline
El escultor barcelonés Jaume Plensa; Barcelona 1955, tiene su estudio muy cerca de la Ciudad Condal. Escultor, Grabador, Dibujante, Arquitecto, Ilustrador etc. Es uno de los artistas españoles más cotizados en el Mercado de Arte Internacional.
Los vecinos del barrio, no querían que la cabeza de niña (CARMELA) de Plensa (4 metros de altura, de pesado hierro fundido), que se encontraba situada frente al Palau de la Música de Ciutat Vella, dejara la vecindad del centro histórico… Como estaba previsto, aquella gran y bella cabeza, era para casi todos, como algo, que sentían, que había llegado hasta allí, para quedarse; pero el plazo de su retirada, inexorablemente vencía ,como un árbol viejo, que arrastra sus secas ramas, al final de su impávida vida… ¡Y, sí, las obras de PLENSA están pensadas para la eternidad!
CARMELA. Esta magnifica foto pertenece a su autor Carles Rivas, imagen via internet
La rotunda escultura CARMELA impresionante y bella, es pesada y etérea, hecha para quedarse, atrás quedaron, las fotografias previas, y el trabajo de estudio.
El tiempo era tasado, debería haber sido retirada ya, hace mucho tiempo, (el extinto día 18 del mes de septiembre de 2016)… ¡PERO CAMELA SE QUEDA!
Lo pidieron los vecinos y Plensa se siente feliz, la cederá gratis al ayuntamiento 8 años más, con opción a prorroga; (como es natural, aunque, esta no debería ser la única opción). El consistorio, correrá con los gastos de fabricación y mantenimiento, y también, habrá que hacerle una peana más duradera a la bella cabeza. Mas el ayuntamiento no la adquirirá como era su interés; además, la cabeza de niña había sido en principio comprometida con otro comprador, que elegantemente, al fin se abstendrá. La magnífica escultura está valorada en 500.000/700.000 euros. Pero bueno, Plensa está contento. Se encuentra en Barcelona ciudad a la que ama, de ella dice, «Como no vas a querer el lugar donde naciste».
LA FUENTE CROWN. Chicago. Foto internet.
Plensa ha estado exponiendo recientemente sus obras en USA; Nashville, Tampa, y Toledo, fueron las ciudades elegidas, en todas ellas, las piezas mostradas, fueron finalmente adquiridas, y se quedaron allí; actualmente PLENSA tiene a punto de inauguración, una obra en Toronto, y está trabajando, en un proyecto para Montreal, ahora, vive más en los aviones y hoteles, que en su estudio taller de Barcelona.
LA FUENTE CROWN 2004. En el “PARQUE MILLENNIUM” de la ciudad de CHICAGO. Es un verdadero icono para la gran urbe, y una magnífica inversión para la ciudad y la ciudadanía.
UNA GRAN ESCULTURA DE 52 METROS DE ALTURA JUNTO AL MAR
En Barcelona su ciudad natal acaricia un gran sueño, una escultura junto al mar. Las cosas van despacio, pero PLENSA, sabe esperar. La escultura que presentó en Venecia podría ser un avance sobre la presentada para la Ciudad Condal.
MIST. Basílica San Giorgio Maggiore. La cabeza de PLENSA en Venecia. Esta foto pertenece a su autor, y fue obtenida via internet.
El proyecto, como no puede ser de otra manera es importante y complejo, pero hay voluntad de acuerdo por las dos partes, PLENSA, artista muy cotizado mundialmente, ofrece la escultura a sus vecinos de BARCELONA gratuitamente, (solo se tendrían que abonar los costes y el mantenimiento), que aún así son elevados, y no son ahora momentos, de inversiones ávidas, pero difíciles de abordar económicamente, mas no debemos de olvidar nunca el arte, lo que este nos ofrece; y, si es de calidad, este, debe ser justamente valorado. El Ayuntaminto de Barcelona tiene ante sí, sin duda, una gran oportunidad, no exenta de rentabilidad.
¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.
Jaume Plensa. Plensa. Escultores. Escultura. Arte Contemporáneo. Carmela. Barcelona. Mercado del Arte. Pintura. Tomás Bartolomé
https://i0.wp.com/www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/2016/11/image12.jpg?fit=1787%2C2517&ssl=125171787Tomás Bartoloméhttps://www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/logo-300x300.jpgTomás Bartolomé2024-02-04 12:14:172024-02-04 13:19:54¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Plensa, se queda
Un día frío del mes de febrero, en la Bretaña francesa venía al mundo, en una familia de agricultores, el que pronto seria bautizado por sus padres, con el nombre de Fernand, mas la alegría familiar duró poco, pues no había cumplido ni 2 años, cuando se quedó huérfano de padre.
El bachillerato lo realizó en una institución religiosa. 1897/99. Poco después, Fernad Léger, se pone a trabajar en un estudio de arquitectura de la ciudad de Caen.
UN NUEVO SIGLO
1900. En busca de ocupacion y formación, se establece en París donde pronto ejerce como delineante, a la vez que realiza estudios de arte en la Académie Julián, una escuela de arte de carácter privado que gozó de gran popularidad, al ser la primera que permitía matricularse a las mujeres, y en la que además en el programa de estudios, se incluía la pintura del modelo al natural, (hombres y mujeres posaban desnudos).
1902/3. El cartero dejó una carta en el buzón, en la misiva se le comunicaba a Fernand Léger, su inminente ingreso en filas para así cumplir el servicio militar, algo que era totalmente obligatorio e ineludible. Terminado el servicio a la patria, Léger intentó matricularse en la Academia de Bellas Artes, pero como a menudo es frecuente, según en que ciudades, la empresa en París le fue harto imposible; como era más que probable, Fernand Léger, no fué admitido en la misma, tras lo cual el artista lo hizo finalmente en la Escuela de Artes Decorativas.
CÉZANNE LE MUESTRA EL CAMINO
La vanguardia está en Cézanne y Léger bebe ávido, e inmediatamente comprende con claridad lo que vé, se identifica; al mismo tiempo, y ya dedicado de lleno a la pintura, traba amistad con el tándem Braque/Picasso. Mantiene con ellos, además de amistad, la misma forma de entender el arte, no en vano él mismo es un pintor cubista. En estos años, en 1907 concretamente, Pablo Picasso el gran genio malagueño, pintaba lo que sería el gran icono del cubismo, Las señoritas de Avignon.
La pintura de Léger se traduce en un exquisito trato al color y al uso de la modernidad, de principios del siglo XX, una modernidad, que se mantiene traducida transversalmente a nuestros dias, ahora tecnológicos. Fernad Léger utiliza formas geométricas, artefactos, robots, figuras tridimensionales, simbolismo…, mecanización y futurismo.
1910. Expone junto con Braque y Picasso en la galería de Daniel Henry Kahnweiler, un coleccionista y marchante de arte, que pronto tuvo a los 3 en cartera.1912, exposición individual de Léger, en la Galería Kahnweiler. 1914/17. Cine, colabora con el escritor Blaise Cendrars.
Composicion. 1926. Museo del Hermitage.
1920. Léger diseñó el vestuario y la escenografía los Ballets Suédois (suecos) que se encontraban instalados en el Teatro de los Campos Elíseos.
Dos figuras (Desnudos sobre fondo rojo). Les deux figures (Nus sur fond rouge). Two figures (Nudes on a red ground). 1923. Kunstmuseum Basel, Suiza. Foto. Archivos fondos propios, by TbArt.
1924. Necesita espacio y junto con el pintor cubista Amedée Ozenfant decide abrir un taller. 1925. Realiza unos murales para decorar el pabellón del Espíritu Nuevo de Le Corbusier.
DESCUBRE AMÉRICA
1931. Fernand Léger nunca había viajado al nuevo continente, él nunca había estado antes en Nueva York y la ciudad le cautiva con su halo de modernidad. En 1935, expondrá por primera vez en la magnífica ciudad de los rascacielos; el lugar elegido, fue el Museo de Arte Moderno de Nueva York, también expondría Léger en el Instituto de Arte de Chicago.
1940/5. Se encuentra tan bien acogido en la ciudad de Nueva York, que a principios de la década de los años 40; años gloriosos en la gran metrópoli, decide fijar su residencia en la capital de EU, donde ejerce de profesor en la prestigiosa Universidad de Yale.
1945. Terminada la Segunda Guerra Mundial, regesa a Francia, donde la ultima década de su vida la dedica a pintar, ilustrar, esculpir, realizar vidrieras, mosaicos, escenografías, en 1955, recibe el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Finalmente fallece el 17 de agosto de 1955 en Gif-sur-Yvette, muy cerca de París.
Landscape. Tomás Bartolomé. Técnica mixta sobre cartulina
EL RELOJ DE ARENA
Está bien que se mida con la dura
Sombra que una columna en el estío
Arroja o con el agua de aquel río
En que Heráclito vio nuestra locura
El tiempo, ya que al tiempo y al destino
Se parecen los dos: la imponderable
Sombra diurna y el curso irrevocable
Del agua que prosigue su camino.
Está bien, pero el tiempo en los desiertos
Otra substancia halló, suave y pesada,
Que parece haber sido imaginada
Para medir el tiempo de los muertos.
Surge así el alegórico instrumento
De los grabados de los diccionarios,
La pieza que los grises anticuarios
Relegarán al mundo ceniciento
Del alfil desparejo, de la espada
Inerme, del borroso telescopio,
Del sándalo mordido por el opio
Del polvo, del azar y de la nada.
¿Quién no se ha demorado ante el severo
Y tétrico instrumento que acompaña
En la diestra del dios a la guadaña
Y cuyas líneas repitió Durero?
Por el ápice abierto el cono inverso
Deja caer la cautelosa arena,
Oro gradual que se desprende y llena
El cóncavo cristal de su universo.
Hay un agrado en observar la arcana
Arena que resbala y que declina
Y, a punto de caer, se arremolina
Con una prisa que es del todo humana.
La arena de los ciclos es la misma
E infinita es la historia de la arena;
Así, bajo tus dichas o tu pena,
La invulnerable eternidad se abisma.
No se detiene nunca la caída
Yo me desangro, no el cristal. El rito
De decantar la arena es infinito
Y con la arena se nos va la vida.
En los minutos de la arena creo
Sentir el tiempo cósmico: la historia
Que encierra en sus espejos la memoria
O que ha disuelto el mágico Leteo.
El pilar de humo y el pilar de fuego,
Cartago y Roma y su apretada guerra,
Simón Mago, los siete pies de tierra
Que el rey sajón ofrece al rey noruego,
Todo lo arrastra y pierde este incansable
Hilo sutil de arena numerosa.
No he de salvarme yo, fortuita cosa
De tiempo, que es materia deleznable.
https://i0.wp.com/www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/141A609A-F8BB-4FC8-9AAE-68B3F2AD747A.jpeg?fit=960%2C696&ssl=1696960Tomás Bartoloméhttps://www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/logo-300x300.jpgTomás Bartolomé2024-01-25 13:40:072024-01-25 14:41:12Arte. Landscape. El agua de aquel río
Primer autorretrato conocido de GOYA. 1768? Con 22 años de edad
FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES
El genial pintor nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo de Zaragoza (Fuendetodos), que se encuentra a medio camino entre Cariñena y Belchite, a 40 Kms de la capital aragonesa; cabras, ovejas y agricultura de secano; este es el entorno rural en que nace el monstruo.
Su padre era maestro dorador y su trabajo sobre todo consistia en la restauración de retablos. La formación artística de GOYA comienza tarde, aconteciendo cuando su progenitor, se da cuenta, de que no podrá ofrecer a su hijo un futuro mejor, que el de darle, (al igual que sucederá entre otros, con el padre de Paco de Lucia y el de Ara Malikian, 250 años después), un oficio.
Francisco de Goya empezó sus estudios de arte a los 13 años, muy tarde para las costumbres de la época. La familia vivía entonces en Zaragoza. Con 23 años Goya viaja a Italia donde copia a los clásicos. Concluidos sus estudios regresa finalmente a Madrid, comenzando su carrera en la capital de la Villa y Corte, como pintor de cartones para tapices, trabajo en el que permanecerá 12 años en dos periodos de 5 y 7 años respectivamente.
Francisco de Goya a los cuarenta años, tenía ya solucionada su vida en cuanto a ingresos económicos regulares se refiere; poseía el título de Pintor del Rey (Carlos IV) y posteriormente el de Primer Pintor de Cámara, así pues, el artista cada vez depende menos de los encargos de particulares y puede dedicarse a una pintura mucho más personal, creativa y diferente, de lo que entonces era habitual; con 47 años empieza a desarrollar su visión de genio, él lo llama «Obras de capricho e invención».
¿PORQUÉ SE QUEDÓ SORDO EL GENIAL PINTOR?
«Goya se queda sordo con casi 47 años (la enfermedad comienza a manifestarse en el mes de noviembre de 1792) a causa de la Plumbosis».
El AQUELARRE. 1797/8
El genial pintor aragonés, ya estaba sordo cuando realizó «El Aquelarre» 1797. Su sordera se produjo cuatro años antes debido, a lo que llamaríamos hoy una enfermedad profesional, el nombre que recibe este mal es Plumbosis, el óleo contiene plomo y su constante utilización puede producir una intoxicación gradual de la sangre. Goya estuvo muy grave y la secuela que le dejo la enfermedad fue la sordera y, tal vez el mal genio; esta enfermedad era frecuente entre pintores en aquellas épocas, Caravaggio, el genial pintor italiano de las riñas, los escorzos, y claroscuros… también la padeció.
Tio Paquete. 1820. Goya
Superada esta enfermedad, y ya sordo, el pintor parece hacer una declaración de intenciones, y su obra se vuelve más personal si cabe; proclamando la libertad creativa del autor al margen de los encorsetamientos de la época; sirva como muestra la temática elegida por el artista para la escena de «El Aquelarre«.
EL GENIAL SORDO NO RENUNCIA A SU MANERA DE SER
Debido a su gran éxito el pintor no puede renunciar a los innumerables compromisos que conlleva su situación y más teniendo en cuenta que la mayoría de sus encargos proceden de la alta sociedad, entre la que se ha convertido en el pintor de moda, por lo tanto al genial sordo no le queda nada más que «nadar entre dos aguas», algo a lo que ya está acostumbrado; GOYA con dosis de inteligencia y sorna supo defender su más íntima identidad, y obtener la libertad que como artista y ser humano entendía como un derecho inalienable; un universal derecho, al que él, no renunciaría fácilmente. Siempre me ha interesado este GOYA cargado de retranca que parece saber en todo momento quien es, y que mantiene con astucia una cierta desconfianza e independencia. El que trata a diario con reyes y nobles y, también el que sin embargo, siempre tiene presente donde nació, quien es, y lo más importante, ¡Quien, y que, quiere ser!
El gran maestro un año antes de fallecer en Burdeos realiza uno de sus últimos óleos. «La lechera de Burdeos»
«La lechera de Burdeos» 1827. Goya. Museo del Prado
Goya muere en su exilio de Burdeos el 16 de abril de 1828 a los 82 años de edad.
Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?
Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?. Pintores. Goya Sordo. Sordera Goya. El Aquelarre. Goya. Arte
https://i0.wp.com/www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/2015/09/image19.jpg?fit=556%2C768&ssl=1768556Tomás Bartoloméhttps://www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/logo-300x300.jpgTomás Bartolomé2024-01-24 14:04:112024-01-24 15:39:26Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?
Jheronimus Boch, «El Bosco». se cree que nació (1450), en Bolduque, Ducado de Bramante. Neerlandés, (Holandés. Falleció en Bolduque, el año de 1516.
Las fechas y todo lo que le rodea es escaso y confuso, sus obras estan llenas de incertidumbres, firmó escasas pinturas, y no tenía constumbre de fecharlas.
Su padre fue pintor como él, y alguno de sus hermanos, al igual que su abuelo. Así pues, pertenecían socialmente al gremio de los pintores, y se formó en el taller familiar, en las técnicas de la pintura al fresco, como antes sucediera en el Trecento, con Giotto, y Piero della Francesca, su contemporáneo, fallecido en 1492.
Al igual que lo que sucedería o el padre de Goya, el padre de El Bosco, era dorador; y también realizaba, esculturas de carácter religioso en madera, y retablos, además de otros objetos religiosos. Finalmente cuando murió en 1478, Jheronimus con algúnos de sus hermanos, heredó el taller.
BODA Y DOTE
1481. Se casó con Aleid van de Meervenne, hija del rico, Goyarts van de Meervenne, un comerciante muy importante que a raíz de la boda, le aportó riqueza en forma de terrenos; además socialmente ElBosco ascendío, hasta situarse como el perfecto burgués. Entonces, el artista estuvo en situación de elegir con mayor libertad, los temas de sus caóticas, a veces atormentadas, grotescas, y siempre fantásticas pinturas. ¡Llenas de símbolos! Abiertas a la interpretación.
Desde 1486, fué un miembro más, de la Ilustre Cofradía de Nuestra Señora, dedicada al culto de la Virgen, poseía, un gran prestigio e influencia social, su esposa la rica heredera, al igual que su acaudalada familia, eran cofrades, desde mucho tiempo antes. Ocupada, la cofradía, sobre todo en obras de caridad; doran, pintan, y policroman figuras de madera para los pasos de las procesiones, que se exhiben periódicamente. También la familia de El Bosco, su padre y hermanos, realizarán, por encargo de la cofradía, un retablo de madera.
EL BOSCO DESAPARECE
1500/4. De estos años no existe documentación, ni siquiera en la cofradía; sí figura, sin embargo una anotación, (la fecha de su muerte). El que fueran halladas varias de sus pinturas en Venecia, hace deducir, que se le sitúe en Italia, y particularmente en Venecia, la bella ciudad de los canales. A su regreso El Bosco se centró, en el trabajo, para la catedral de su ciudad natal.
Tabla central del tríptico, Las Tentaciones de San Antonio. Museo Arte Antiga de Lisboa.
HÁGASE LA MAGIA
Sus temas preferidos son la condenación, el infierno, la salvación, y todo acompañado de seres grotescos, multitudinarias algarabias, abarrotamiento genial, y a veces, cómic divertido de hace 500 años; y sí, El Bosco, tiene mucho de medieval… y de moderno. Para André Breton, (el papa del surrealismo), El Bosco era un visionario. El mismo movimiento surrealista lo adoraba.
Imaginación a raudales, colorido y técnica depurada; brujería, alquimia ¡El fin del mundo ya está aquí! La apocalipsis será pronto servida en grandes y abrasadoras raciones. Seres, tanto normales como monstruosos conviven juntos. La complejidad de símbolos utilizados, dificulta a menudo la comprensión de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, se puebla de figuras fantasmagóricas, que parecen surgidas de una pesadilla infernal, son seres grotescos, deformados, por un cruel frenesí de inevitables gesticulaciones.
El Bosco es un minucioso observador de la realidad, con gran talento como dibujante, y un absoluto irrealismo pleno de un superlativo espíritu, sarcástico-ridículizador.
En España, el rey Felipe II, compró algunas obras de este genial pintor, esto explica que actualmente se encuentren varias pinturas de este gran maestro en España.
Mesa de los pecados capitales. El Bosco. 1485. Museo del Prado. Una de las obras adquiridas por el Rey Felipe II.
LAS OBRAS DEL BOSCO. DIFÍCILES DE AUTENTIFICAR
2016, se celebró el 500 aniversario de su muerte.Con este motivo, El Museo del Prado inauguró, una magna exposición «EL BOSCO. EXPOSICIÓN DEL V CENTENARIO», mientras tanto, un concienzudo y solvente estudio (un comité científico holandes, con asesores de importantes museos de todo el mundo en autentificacion, Museo del Prado, incluido, concluyó…
Autentificacion. Bosch Research and Conservation Project. Obras de El Museo del Prado
La Mesa de los Pecados Capitales, La Extracción de la Piedra de la Locura, y Las Tentaciones de San Pedro Abad. No son de El Bosco.
El Museo del Prado, tiene 6 obras de «El Bosco», más que ningún museo en el mundo. 3 de ellas, no admiten ninguna duda sobre su autenticidad, son la siguientes : Adoración de los Magos – El Carro de Heno – El Jardín de la Delicias – Si son de El Bosco.
Otros Museos…
Museo Lázaro Galdeano. Madrid. San Juan Bautista en Meditación. 1489? Si es de El Bosco.
San Juan Bautista en Meditación.
Museo de El Escorial. Coronación de Espinas. No es deEl Bosco.
El informe continua fuera de España…
Museo de Bellas Artes de Gante El Cristo con la Cruz a Cuestas. No es deEl Bosco.
Museo de Arte de Kansas City La Tentación de San Antonio. Si es de El Bosco.
Museo Groeninge de Brujas. El Juicio Final. Si es deEl Bosco.
La Tentacion de San Antonio. Uno de los cuadros dados por buenos por el comité y que hasta el momento del informe, se encontraba arrinconado en un sótano del Museo de Arte Nelson-Atkinss, de Kansas City.
EL BOSCO. LA EXPOSICIÓN DEL CENTENARIO
Se celebró en Madrid en el Museo del Prado, en las fechas…
Del 31 de mayo, al 11 de septiembre de 2016.
Se expusieron, en 5 secciones temáticas, y una sexta de dibujos; 65 pinturas en total. Pinturas de El Bosco, realizadas en su taller, y también de pintores de su época.
No falto a la cita, el espléndido «Tríptico de las tentaciones de San Antonio», Museo Arte Antiga de Lisboa. En cuanto a los dibujos, de los 11 aceptados como auténticos, solo se expusieron 6.
Para esta gran exposición, la mayor realizada hasta ahora, participaron importantes museos de Europa y USA.
El Museo del Prado emitió un comunicado, en el que disiente parcialmente, de la apreciación de la autentificacion realizada por los expertos holandeses. Habiendo declarado que, «La comisión no aporta ningún dato técnico o material, y fundamenta sus juicios en apreciaciones estilísticas muy subjetivas».
Arte. Jheronimus Boch. El Bosco. Exposición del Centenario Museo del Prado. Autentificacion de sus obras.
Arte. El Bosco. Pintores. Exposiciones. Museo del Prado. Jheronimus Boch. Autentificacion El Bosco.
https://i0.wp.com/www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/2016/02/image5.jpg?fit=640%2C776&ssl=1776640Tomás Bartoloméhttps://www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/logo-300x300.jpgTomás Bartolomé2024-01-04 15:06:582024-01-04 16:08:49Arte. Jheronimus Boch. El Bosco. Centenario Museo del Prado. Autentificación
SOROLLA, nació en, Calle Nueva (en la actualidad Calle Mantas numero 4), de Valencia, el 27 de febrero de 1863. Falleció en su casa veraniega de Cercedilla, cerca de Madrid, en 1923.
Sus padres, comerciantes, poseían una tienda de tejidos. Tenía apenas 2 años cuando Eugenia, su hermana, y él mismo se quedan huérfanos al morír sus padres de cólera. Los hermanos son acogidos por Isabel su tía materna; y su tío José que es cerrajero, y le enseña el oficio, pero Joaquín es un caso perdido que solo piensa en la pintura.
Paseo por la playa. 1909.
Paseo por la playa, es una pintura de Sorolla, cuando, este es ya, un artista de éxito. El mismo año de 1909, con 46 otoños, expondría activamente, en diferentes ciudades de Estados Unidos.
“El pintor de la La Luz”, se gana su apelativo, con pinturas playeras como esta, en la que la luz cobra un factor extremo, y determinante, que a veces hiere, pero que también tamiza, realzando, sombras y proyecciones.
JOAQUIN SOROLLA, estudia dibujo y pintura en Valencia. Pronto montaría, su estudio en la bella capital del rio Turia.
1882. Viaja a Madrid donde visita el Museo del Prado, y estudia la pintura de los clásicos; sobre todo le interesa Velázquez. Seguidamente viajará a Roma, como Diego, y posteriormente París (1885).
1888. En la Iglesia de San Martin de la capital valenciana, con 25 años de edad, se casa con Clotilde García, el feliz matrimonio se instalará finalmente, en la romántica y piadosa localidad italiana de Asís, en los predios, del otrora santo umbreño.
RETRATA Y DENUNCIA
1889. Clotilde y Joaquín se transladan a Madrid, donde SOROLLA empieza a ser un pintor afamado. Sus retratos tienen éxito y son muy cotizados, le llueven los encargos. Retrata entre otras personalidades a Cajal, Galdos, Machado, Castelar, Blasco Ibáñez y a el Rey Alfonso XIII. También obtienen un gran éxito, además de sus pinturas, de playa y sol, sus pinturas, de crítica y denuncia; sirvan como ejemplo, algunos de sus títulos:
«Y aún dicen que el pescado es caro» – «Trata de blancas» – «Triste herencia»- «Otra margarita»- etc.
Seguidamente, algunos ejemplos:
Y aún dicen que el pescado es caro. 1895.
En 1900, obtiene el Gran Premio en el prestigioso Certamen Internacional de Pintura de Paris, con la obra Triste Herencia.
Triste herencia. 1899.
EXPOSICIONES
1906. SOROLLA, expone sus pintura en la Galería George Petit de PARÍS, donde consigue muy buenas ventas y obtiene magníficas críticas. ¡Un gran éxito!
1908. Exposición en LONDRES.
El baño del caballo. 1909.
1909, expone en NUEVA YORK, BÚFALO, Y BOSTON. 1911, exposiciones en el Museo de Artes de SAN LUIS y en el ART INSTITUTE DE CHICAGO.
1913/19. La Hispanic Society of America de NUEVA YORK, le encarga 14 murales en los que SOROLLA, retrata una VISIÓN DE ESPAÑA.
Castilla. La fiesta de pan. 1913. Mural Hispanic Society.
1914. JOAQUIN SOROLLA, imparte clases de Composición y Color en la Escuela de Bellas Artes de MADRID.
1920. Sufre un ataque de hemipléjia que le deja graves secuelas, la parte derecha de su cuerpo queda paralizada.
1923. Fallece en su casa de Cercedilla, Madrid, a los 60 años de edad.
1925. Su viuda Clotilde García, dona la obra de SOROLLA al Ayuntamiento de Madrid, para la creación de un museo, en la que en vida, fuera, su vivienda. EL MUSEO SOROLLA. Se encuentra situado, en la calle Martínez Campos, 37 de MADRID.
MERCADO DEL ARTE
El martes día 28 de abril de 2015, La sala de subastas CHRISTIE’S en la ciudad de NUEVA YORK, sacó a subasta la marina, Velas en el Mar, la obra alcanzó el valor de 521.000 dólares; cifra baja para lo esperado que eran unos 800.000.
Velas en el mar. 1908.
ARTE. JOAQUÍN SOROLLA. EL PINTOR DE LA LUZ
Joaquin Sorolla. Sorolla. Pintura. Arte. Mercado del Arte
https://i0.wp.com/www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/2015/04/image32.jpg?fit=720%2C594&ssl=1594720Tomás Bartoloméhttps://www.tomasbartolome.com/wp-content/uploads/logo-300x300.jpgTomás Bartolomé2024-01-02 10:43:192024-01-02 12:06:51Arte. Sorolla. El pintor de la Luz.
