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Arte. «Los jugadores de cartas». Cézanne. (2011). 250 Millones de dólares

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LOS JUGADORES DE CARTAS. Cézanne. 1890/95. Existen 5 versiones.

PAUL CÉZANNE. Aix En Provence.1839/1906 (de pulmonía).

Su padre poseia un banco , así pues el gran Cézanne pertenecía a una familia acomodada.

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Retrato de Cézanne. 1880. Pastel/Papel. Renoir.

El artista se trasladó a París a pintar pero no tuvo éxito. Las críticas a sus pinturas fueron muy duras, sufre entonces una grave depresión y se cuestiona su carrera, así pues, inseguro y hundido, decide volver al banco familiar, a trabajar como contable… No pudo aguantar mucho.

Regreso a la Pintura

En sus comienzos, Cézanne utilizaba sobre todo el negro, y los colores oscuros, con mucho empaste.

Periodo impresionista

Alternando Provenza y París, pinta sobre todo paisajes. Los colores entonces, pasan a ser más brillantes, y los empastes más suaves, utilizando a menudo para finalizar, pequeños toques de colores puros.

Periodo de madurez  Cézanne, regresa a Provenza.

Introspección.  Es para el artista en ese momento, un periodo de aislamiento, concentración, búsqueda, y experimentación.

Periodo final

«Los jugadores de naipes». En este periodo, Cézanne pinta Bodegones, Retratos, Paisajes, Bañistas…, empieza a vislumbrarse el camino del CubismoPicasso, en una ocasión, declaró refiriéndose a los Cubistas… «Cézanne es el padre de todos ellos».

Cézanne. Postimpresionista

Cézanne está considerado como el padre de la pintura moderna. La mayor parte de su vida la pasó ignorado, aislado, y solitario, pero al final le llegó el éxito y se convirtió en un «Artista de Culto«. A su casa de AIX, acudían en peregrinación, de todos los lugares del mundo, para verle pintar, conocerlo, charlar con él…, preguntarle… Entonces sus obras subieron de precio, como también sube la cometa, avivada y rebelde, en los días de viento. Su valor, subió, subió, y sigue subiendo, como sube, la espuma vaporosa del agua brava de mar, atropellada, empujada violentamente, contra la dura roca de granito, una mañana de fuerte viento y oleaje… ¡El temporal aún no ha amainando, ni amainará! Actualmente, en el apasionante mercado internacional de arte. Los jugadores de cartas, de Cézanne. Alcanzó, la impresionante cifra, de 250 Millones de dólares, (2011).

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Una de las 5 versiones que existe del cuadro.

MERCADO DEL ARTE

Sus obras arrasan todos los récords. Los jugadores de cartas, fue adquirida por la Familia Real de Catar por  250 millones de dólares, el mayor precio de la historia, en ese momento, pagado por una obra de arte. La venta se llevó a cabo en el año 2011. Hasta entonces, la pintura había sido propiedad de un millonario griego que acuciado por la crisis económica, por fin, decidió vender. El acaudalado heleno murió antes de cerrar tan complejas negociaciones. Su familiares entonces se encargaron de concluirlas con éxito.

La administración catarí. sigue así en su imparable lucha por conseguir hacerse con una buena imagen museistica mundial, y convertirse por fin, y por derecho propio, en una referencia internacional en el Mundo del Arte, junto con las ciudades de Paris y Nueva York.

Arte.  «Los jugadores de cartas». Cézanne. Récord 2011. 250 Millones de dólares. Adjudicada, a la familia real de Catar

Pintura, Arte, Paul Cézanne. Mercado del Arte. Los jugadores de cartas. Cézanne. Tomás Bartolomé

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Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti. “El Divino”

Michelangelo Buonarroti. «El divino».

Miguel Ángel. Caprese, Florencia, 6 de Marzo 1475, Roma 18 de Febrero 1564.

Se quedó huérfano de madre con solo 6 años, su familia bien situada, vívia de empleos estatales y de algunas rentas, pues eran propietarios de una cantera.

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Vista de Florencia. Carl Gutav Carus. 1841.

Estudió gramática en Florencia, pero pronto el mordisco del arte agarró con ansia su alma; según él, su pasión la mamó de la misma nodriza que lo crió, y que para más señas era hija de un cantero. Como tantas veces en la historia, al padre no le pareció, ni bien, ni sobre todo digno de su familia, la vocación temprana de Miguel Ángel, pero pronto tuvo que admitir la terca voluntad de su hijo y felizmente, decidió ayudarlo.

1488. A los 12 años de edad, Miguel Ángel, comienza sus estudios de pintura. En 1492 Se instala en Bolonia.

1496  Michelangelo Buonarroti, viaja a Roma, donde como carta de presentación, realiza el Bacus del Barcello, el mismo año de su llegada a la monumental, y poderosa capital papal; luego realizaría obras maestras como… La Piedad del Vaticano, con solo 23 años, y el David 1501/4, con 29. Mármol blanco de Carrara en talla directa, el David se realizó sin moldes, el bloque de mármol desnudo e inane frente al artista, nada más difícil, y nada más bello. Se trata de una obra cumbre de la escultura de todos los tiempos.

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David. 1501/4. Fotos. Wikipedia (2). Foto fondo negro, By TbArt. Archivos fondos propios.

Multidisciplinario y genial, Miguel Ángel es un artista total, un perfeccionista, al que le interesan todas las artes en una época de reivindicación y consolidación, de él mismo, y de su colectivo. de su ubicación e imbricación en un estamento distinto, el de los artistas, (que ahora poseían conocimientos de álgebra, matemáticas, y geometría), frente al gremio de los artesanos, donde hasta hacía poco se les había incluido; así pues Miguel Ángel con su genio y estudios contribuyó al incipiente ascenso, de una nueva categoría, la de los artistas, en la escala social.

GENIO Pintor, Escultor, Arquitecto, Escritor, Matemático todo esto y mucho más fue Miguel Ángel, y todo a una gran altura. Ante todo le interesa la escultura y el estudio del cuerpo humano; también le subyuga el riesgo, es a veces provocador y rebelde. También pendenciero. Una pelea le dejaría torcida y rota la nariz, a raíz de la acción agresiva de un pintor celoso de su arte. Riesgo y valentía de un gran genio que vivió a su manera, sin impórtale el que dirán, de sus dudosas amistades; se le amó y él amó.

FLORENCIA Y ROMA. MEDICIS Y PAPAS

En aquellos años Italia precisaba obras de arte y las obras de buenos artistas, eran muy demandadas sobre todo por la nobleza para decorar sus palacios, y por la iglesia para ornar sus templos y, conseguir así de esta manera, más fieles. A Miguel Ángel le sobraban los encargos.
Banqueros y Papas florentinos así com los Médici pertenecientes a la nobleza, amantes del arte  y obsesionados con el poder y el dinero, fueron sus mecenas, junto con los Papas de Roma.

EN BUSCA DE UNA TUMBA

El Papa Julio II, un Papa amante del arte y guerrero, fue el más grande mecenas de su época (1500) y tuvo que tratar con el gran Miguel Ángel y soportar con infinita paciencia y comprensión al capresino que a veces se mostraba intratable aunque en muchas ocasiones con razón.
Os contaré un suceso que desquició al Sumo Pontífice en grado máximo…

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Tumba de Julio II. 1505/45.

Nos encontramos en 1504. Julio II encarga lo que será su sepulcro a Miguel Ángel. El artista obtiene un gran bloque de mármol blanco de Carrara y comienza la obra, pronto necesita dinero y acude al Papa Julio, pero el Papa centrado sobre todo en la reconstrucción de San Pedro, lo ignora. La paciencia de Miguel Ángel tiene un limite, ofendido, abandona Roma y se dirige a Florencia. Julio II no desea enemistarse con el artista y encarecidamente le pide que vuelva, lo que finalmente el artista hace en 1508, en esta ocasión, para comenzar las pinturas de la Capilla Sixtina.

En marzo de 1513, muere el Papa Julio II cuando la tumba apenas era un proyecto. Entonces surgieron problemas de dinero y de concepción de la obra, que no fue terminada por Miguel Ángel pues los familiares del ilustre finado no solo encargaron el proyecto a otros escultores, si no que además lo demandaron.  Entonces el grupo escultórico, perdió monumentalidad, y lo que iba a ser una obra exenta, se convirtió en una tumba adosada a una parez. Ya finalmente terminado, ni siquiera el pobre Papa Julio está enterrado en el bello sepulcro de la discordia.

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Pinturas de la Bóveda da de la Capilla Sixtina.

Otra de sus grandes obras fueron las pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina 1508/12. Un trabajo ímprobo  y sumamente agotador, cuando Julio II le preguntó que cuando terminaría las pinturas, Michelangelo Buonarroti, contestó… «Cuando pueda».

Ciudad del Vaticano, Roma. Basílica de San Pedro en 1546, el Papa Paulo III le encarga la dirección arquitectónica de los trabajos de la misma, y Miguel Ángel siempre genial apoya los muros con absides monumentales y sobre todo con una magnifica y bella gran cúpula.

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Basilica de San Pedro con su Cúpula de Miguel Ángel.

Grande entre los grandes, Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti. El Divino. falleció en Roma a lo 88 años de edad y está enterrado en Florencia en la Basílica de la Santa Cruz.

Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti. El Divino.

Michelangelo Buonarroti. Miguel Ángel. Arte. Pintura. Pintores. Escultores. Escultura. Arquitectura. Roma. Florencia

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Self Portrait Red. Óleo/Lienzo. Tomás Bartolomé

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Self Portrait Red. Tomás Bartolomé

Óleo/Lienzo. 2016

Hay aquí en esta pintura, un enigma sin respuesta y, no mucho más de mi vida. Tal vez algo de  autorretrato, un pequeño instante, congelado e intradiagetico, una introspección nunca ahora ya melancólica, mas triste, y una difícil pregunta…

¿Yo soy un campesino español; la nocturna cálida habitación roja, y también la casa?, o tal vez la desesperacion y el terrible grito de Bacon, Picasso, o Caravaggio.

Hurtas mi vulto y, cuanto más le debe
a tu pincel, dos veces peregrino,
de espíritu vivaz el breve lino
en las colores que sediento bebe,
vanas cenizas temo al lino breve,
que émulo del barro lo imagino,
a quien, ya etéreo fuese, ya divino,
vida le fió muda esplendor leve.
Belga gentil, prosigue al hurto noble;
que a su materia perdonará el fuego,
y el tiempo ignorará su contextura.
Los siglos que en sus hojas cuenta un roble,
árbol los cuenta sordo, tronco ciego;
quien más ve, quien más oye, menos dura.

Luis de Góngora

El poema se lo escribe el genial escritor en el año 1620, a un pintor que le está retratando.

Para cualquier consulta sobre esta  pintura. contacto. tomy.bart@hotmail.com

Nocturno rojo. Red night. Óleo/Lienzo. Tomás Bartolomé. Pintura. Los siglos que en sus hojas cuenta un roble, árbol los cuenta sordo, tronco ciego; quien más ve, quien más oye, menos dura.

Arte. Self Portrait Red. Tomás Bartolomé. Pintor. Pintores. Óleo. Góngora. Bacon. Picasso. Caravaggio

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Goya. Enamorado, de María Teresa Cayetana De Silva, Duquesa de Alba

La Duquesa de Alba. 1795. Francisco de Goya

FRANCISCO DE GOYA. Fuendetodos 1746. Burdeos 1828.

De familia de clase media, su padre era dorador, esto es, artesano/decorador; doraba retablos, tallas, y cosas por el estilo, GOYA, empezó sus estudios artísticos, con 13 años, un poco tarde para su época; ya con 40 años, poseía el título de PINTOR DEL REY  (CARLOS IV) por lo cual, también obtenía una renta.

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La Familia de Carlos IV. 1800.

Sucesivamente, iría ascendiendo paulatinamente, hasta convertirse, en PRIMER PINTOR DE CAMARA. Sus ingresos continuaron al alza. Comienza a retratar GOYA a la Familia Real, pero hay alguien que le obsesiona,  MARÍA TERESA DE SILVA ÁLVAREZ DE TOLEDO. «LA DUQUESA DE ALBA».  ¡Es la mujer más retratada por el pintorUNA OBSESION

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La Maja Desnuda. 1790/1800.

Para él fue amor, para ella, tal vez solo fuese un provocador juego, de necesidad y coqueteo

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La Duquesa de Alba. 1795.

La obra LA DUQUESA DE ALBA es de 1795. La Duquesa, tenía entonces 33 años; fallecería 7 años después con 40. La pintura fué realizada por GOYA, un año antes del  triste por prematuro deceso, de su marido. Cayetana enviudó de su primo José Álvarez de Toledo, en 1796. No tuvieron descendencia, lo que originaría  graves problemas a la Casa de Alba. Posteriormente Cayetana, adoptaría una niña negra llamada Maria de la Luz, de la que como un asunto misterioso, se ha perdido el rastro hasta hoy día. Cuando MARÍA TERESA ya viuda, con 34 años se retira a su residencia veraniega de SANLUCAR, es seguida por FRANCISCO DE GOYA. No hay constancia de los meses que permanecieron juntos; solo se conservan de este romántico momento, (al menos tuvo que existir el coqueteo), una pintura,  bocetos, y algún grabado.

LA DUQUESA MAJAS E INQUISICIÓN

La afirmación de que la Duquesa de Alba posara para las MAJAS, Es una leyenda urbana más. Las  pinturas, fueron encargadas por GODOY, Ministro, y también amante de la Reina Mariá Luisa, a su vez, prima del rey (Carlos IV), Se cuenta, que GODOY tenía colgadas las dos MAJAS en su domicilio, y que según fuera de comprometida la visita a su casa, así presumía él de una, o se pavoneaba de la otra.

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La Maja Vestida. 1800/8.

A causa de, La MAJA DESNUDA, GOYA, fue juzgado, y finalmente absuelto, por la entonces siempre oscura, y activa inquisición. El genio aragonés, no pudo olvidar jamás el terror que le inspiró, la visita del venerable Santo Oficio de la Cruz Verde, que andaba ávida tras sus pasos, aunque afortunadamente, el genial maestro aragonés, tenía importantes padrinos, y además siempre supo defenderse solo.

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La Duquesa de Alba. Año 1795.

El retrato de la Duquesa a la que amó, y que de nuevo vemos, sobre estas líneas, es de una altísima calidad. Si podéis debéis de verlo en directo, os asombrareis de  lo que es capaz de hacer el genial pintor con el óleo. Parece Magia, esa maestría indiscutible. Poner atención al alarde del muy alto nivel técnico, de GOYA, que se puede observar, en las vaporosas y mágicas  transparencias del vestido, ¡es algo maravilloso! Este magnífico cuadro se encuentra en la actualidad colgado, en una de las paredes, de la Casa de Alba de Madrid, en el Palacio de Liria, actualmente abierto al público ¡Por favor, no se lo pierdan!

Goya. Enamorado de María Teresa Cayetana de Silva Álvarez de Toledo. La Duquesa de Alba.

Francisco de Goya. Goya. Pintura. Pintores. Goya Enamorado. La Duquesa de Alba. Las majas de Goya.

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Arte. Time. Óleo/ Lienzo. Tomás Bartolomé

 

Time. Tomás Bartolomé.
Óleo/Lienzo. Oil/Canvas. (2017).
Medidas/Measure. 60 x 80 cm.

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Andamos (amamos), los caminos transitando verdad, veredas verdes, veredas torcidas, grava, arena; guijarros ocres y tierra siena… y como fantástico telón de fondo; si acaso, alguna sutil gasa de un atrayente gris sucio.

iSé podía oler!, el mar cercano, el mismo que antaño, olvidado ya, cercaron los genoveses, aquel mar (ahora tan cerca de mi), de pacificos pescadores arando, y rosados flamencos, zancudos.

Seca la garganta, me encontré con las aletas abiertas, los ojos entornados por un rayo de sol, hiriente, y certero… Que como amarillo, limón lavado y punzante, se mezclaba ahora, todo él label, con tenues tonos crudos, más luminosos y más lechosos.

El mar (del que vivo alejado geográficamente ahora), está cerca, lo se, lo noto…, y el pueblo que anda dormido también. Avanzo impregnado del filo de su luz de navaja, a la vez que observo cotas altas, misteriosas montañas… negras y solitarias.

¡El milagro se representará hoy muy pronto en la bahía! Y las pequeñas calas cercanas; de finas arenas ocres varadas, pronto se harán aún más saladas, y se tiznarán de pequeñas trazas de húmedo y frío, negro carbón quebrado.

TIME

Caos/Creación

Color

Polvo Estrellado

Mancha

Derramado Pigmento

Bello rebelde

Rojo vivido

Afán

Vuela

Impregnado, y funde

Opuesto al blanco

Al blanco rosado

Al negro/a la luz

O a los pardos rojizos

Tomás Bartolomé

Arte. Time. Óleo/ Lienzo. Tomás Bartolomé.

Arte. Time. Tomás Bartolomé. Óleo/Lienzo. Pintores

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Acuarela. Cardoso. El tiempo lleva el dulce verano, al odioso invierno

ACUARELA. CARDOSO

Despues de haber sido degustada por mis ávidos sentidos ahora (reseteados), os mostraré esta magnífica acuarela azul, de Cardoso, que nos descubre al ser humano, absorto en su individualidad activa…,

El tiempo que no para, lleva el dulce verano,
hasta el odioso invierno y allí acaba con el
La savia entre los hielos. Hojas frescas perdidas.
La beldad bajo nieve y ruina en todas partes.

Luego si no quedara, destilando el estío
el líquido cautivo en paredes de vidrio,
la Belleza y su efecto, con ella moriría,
sin dejar ningún rastro de lo que fue su tiempo.

Mas la flor destilada, padecerá el invierno
y aunque pierda su aspecto, persiste en su sustancia.

William Shakespeare

Acuarela. Cardoso. El tiempo que no para, lleva el dulce verano, hasta el odioso invierno y allí acaba con él.

Acuarela. Cardoso. Arte. Pintura. Pintores. Poesia. William Shakespeare. 

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Acuarela. Cardoso. «Que lástima que duermas y se interrumpa el diálogo»

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ACUARELA. CARDOSO

De nuevo, una magnífica acuarela de Cardoso, que aguijonea mis pensamientos endulzándolos, con el veneno de recuerdos de una infancia gravemente envenenada, cuando el arte me enseñó muy pronto las orejas, y mordió dulcemente mi carne, dejándome así, metódicamente herido para siempre.

Es el  puente que me lleva, a sensaciones. Una agridulce y fugaz infancia, de colores sobre cartulina, y recortes de papel brillante, tijeras, y meciéndose, (rendijas en el aire), inolvidable, un olor fuerte a pegamento.

Son las erectas altas torres, telón de fondo nublado. Mi futuro instituto sobre una roca, la magnífica y bella ciudad, son sus elevadas torres, como fueron siempre, un persistente motor inspirador. Hermosas torres.

Me sumerjo. Con mis lápices que no suelto, bajo un arcado dorado puente centenario, pálido reflejo, el agua gris azulada, su fronterizo azul gasa morado, verdoso tenue…,  y siena azafrán aguado.

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Qué lástima que duermas
y se interrumpa el diálogo
y no sientas mi beso
en tus ojos cerrados.

Qué lástima tu infancia
así truncada,
ese tiempo sin tiempo
a medio abrir
por el que ya empezaba
a vislumbrarte.

Mañana todo habrá cambiado:
otra vez hablándonos
de lejos
desde nuestras esquivas
soledades.

Qué lástima
los signos de mi amor,
mis apretados círculos
de miedo
que no sé si entendiste.

Alegría Claribel

La escritora nicaragüense Alegría Claribel, nació el 12 de mayo de 1924 en Estelí, Nicaragua y a menudo refleja la corriente literaria circulante en Centroamérica en la década de los 50/60 y que ha sido bautizada como «Generación comprometida».

Alegría escribe cuentos, novela, poesía. Los derechos humanos, y la denuncia social son tema esencial en sus publicaciones aunque no se olvida como en esta ocasión de la poesía amorosa.

Acuarela. Cardoso. «Que lástima que duermas y se interrumpa el diálogo». Alegría Claribel

Acuarela. Cardoso. Arte. Pintura. Pintores. Poesía. Alegría Claribel

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Cardoso. Acuarela. «Conoce, siente, y juega con el agua»

Acuarela. CARDOSO

«Cardoso, conoce, siente, y juega con el agua»

Cardoso deja fluir los colores y recorre nuevos caminos, solo, con el fiel del norte orientado de su intuición, y los brillantes dibujos estelares, que desde niño conoce.

Guías brillantes de un blanco plata, que le orientan en un gran mapa plagado, de verdes y ocres veredas…

Sagrada esfera, con su innumerable cohorte siempre. Mas a la fuerza, a veces sometida y fiel

Antiguos arcanos le guían, en una (lechosa), pálida noche, en que atrevida, o tacaña, la luna, que es bella y muda, aparece…,

Sugerida, tal vez, (a veces oculta), presentida y siempre activa, altiva (o depreciada), brillante se esconde, entre blancos, delicados, y dulces (lechosos), ovalados almendros.

LA LUNA

La luna se puede tomar a cucharadas
O como una cápsula cada dos horas.
Es buena como hipnótico y sedante
Y también alivia
A los que se han intoxicado de filosofía.
Un pedazo de luna en el bolsillo
Es mejor amuleto que la pata de conejo:
Sirve para encontrar a quien se ama,
Para ser rico sin que lo sepa nadie
Y para alejar a los médicos y las clínicas.
Se puede dar de postre a los niños
Cuando no se han dormido,
Y unas gotas de luna en los ojos de los ancianos
Ayudan a bien morir.

Pon una hoja tierna de la luna
Debajo de tu almohada
Y mirarás lo que quieras ver.
Lleva siempre un frasquito del aire de la luna
Para cuando te ahogues,
Y dale la llave de la luna
A los presos y a los desencantados.
Para los condenados a muerte
Y para los condenados a vida
No hay mejor estimulante que la luna
En dosis precisas y controladas.

Jaime Sabines.

Chiapas, México, 1926. México D.F. 1999.

Cardoso. Acuarela. «La luna es como un sello amarillo sobre un sobre azul oscuro». Oscar Wilde

 Cardoso. Acuarela. Pintores. Pintura. Arte. Jaime Sabines. Luna. Poesía

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Pintura. Tomás Bartolomé. Paisaje en calma. (Calm Landscape)

PAISAJE EN CALMA(Calm Landscape). Tomás Bartolomé.

Óleo Acrílico. Lienzo/Oil, Acrílic, Canvas.

Año 2011. Medidas. 24 x 30 cm.

Soñando con la eterna primavera de la vida…

Poco antes de morir a la edad de 48 años, Rosalía de Castro siguió soñando, y quiso soñando ver, por ultima vez la mar, mas no fue posible; en su casa de Padrón, ¡No…, No se ve el mar! Su hija, menos soñadora, al menos no supo verlo, cuando Rosalía, ansiosa, mirarlo quiso, por póstrera vez, encontrándose (tan cerca, eso creía), junto a su último próximo lecho, ella lo sentía vecino, siempre lo sintió, corría diariamente, alegre o triste, por sus venas de mujer que sabía hablar, con el rumor de las olas, con los pájaros, y el viento. Ahora se acordaba nítidamente de ello. Supo pronto entonces, que ya no estaría sola nunca, y que ella atacada de dulzura en vida, cautivó, amó…, y también fue amada.

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Dicen que no hablan las plantas,

ni las fuentes, ni los pájaros, ni la onda con sus rumores.

ni con su brillo los astros,

lo dicen, pero no es cierto,

pues siempre cuando yo paso

de mí murmuran y exclaman:

Ahí va la loca,

soñando con la eterna primavera de la vida

y de los campos.

ROSALIA DE CASTRO.

Rosalía de Castro. Santiago de Compostela 1837.  Padrón, La Coruña 1885.

Más información. Interesados en esta pintura. contacto@tomasbartolome.com

Pintura. Tomás Bartolomé. Paisaje en calma. (Calm Landscape). Pintores. Poesía. Rosalía. Rosalía de Castro. 

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Arte. Imperio Mexica. Óleo/Mixta. «Ad aeternam la imagen en la imaginación del hombre”

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Imperio Mexica. (2014). Tomás Bartolomé

Oil/Mixta. 2015. 35 cm Largo. 27 cm

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Gambito de caballo en Troya. (Parte del poema).

Ad aeternam la imagen en la imaginación del hombre; la nube como abalorio, como ojo, como L que alguien trazó en el aire. el caballo que murió con las patas rotas y el vientre abierto como reja o ventana; los guerreros que introdujeron los filos en su desesperación como a una funda, como a una aljaba.
Homero Aridjis

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Interesados en esta pintura más información, e mail, contacto@tomasbartolome.com

Pintura. Imperio Mexica. Óleo/Mixta. 2015. Tomás Bartolomé. Ad aeternam la imagen en la imaginación del hombre; la nube como abalorio, como ojo, como L que alguien trazó en el aire.

Pintura. Tomás Bartolomé. Pintores. Imperio Mexica. Óleo/Mixta